🎃 Étoile Française Du New York City Ballet s'il y a des analogues ?

Des danseurs du New York City Ballet NYCB et de l'Opéra de Paris s'affronteront lors d'un match amical de danse en juin lors d'un nouveau festival de danse parisien au Théâtre de "Paris de la danse", qui en est à sa deuxième édition 3-23 juin, débute lundi avec une "master class" unique sur le Lac des Cygnes donnée par Laurent Hilaire, un des danseurs étoile de l'Opéra de Paris devenu directeur du ballet du Théâtre Stanislavski de Moscou en 2017. Et du 13 au 16 juin, le Théâtre de Paris réunira une vingtaine de solistes du NYCB et de danseurs italiens de l'Opéra qui danseront deux programmes de variations, essentiellement du répertoire classique et néo-classique, de La mort du Cygne de Michel Fokine au pas de deux de Don Quichotte d'après la chorégraphie de Rudolf Noureev, en passant par le Apollo de Balanchine. "C'est une rencontre amicale entre des danseurs qui se sont rencontrés dans plusieurs galas", a expliqué Alessio Carbone, premier danseur à l'Opéra de Paris qui a créé en 2016 le groupe "Les Italiens de l'Opéra". Ils feront face au "Stars of American Ballet", formation créée il y a une dizaine d'années par un danseur étoile du NYCB, Daniel Ulbricht, pour accroître l'accès à la danse aux Etats-Unis. "On s'est dit pourquoi on ne montrerait pas sur scène les deux styles; les Etats-Unis et la France, ce sont des écoles de danse différentes", a indiqué le danseur qui s'exprimait récemment lors de la présentation du festival. "Le côté américain est toujours très dynamique, c'est le show; en France, c'est l'élégance, le lyrisme, la poésie, l'harmonie du mouvement", a-t-il ajouté. "On va alterner les variations avant de faire une finale ensemble. Je suis curieux de voir le ressenti des danseurs, comment on va s'observer". Il a également évoqué l'enthousiasme des danseurs de l'Opéra pour les galas, notamment chez les solistes qui ne sont pas encore étoiles, grade suprême dans la compagnie de ballet. "C'est une joie de faire des pas de deux classiques à l'extérieur de l'Opéra et donner la possibilité aux solistes de se mesurer à des étoiles du NYCB", comme Megan Fairchild, Tyler Angle ou encore Gonzalo Garcia. Le festival, dirigé par Lisa Martino, présentera également une master class de Pétia Iourtchenko, créateur de la première méthode de danse tzigane, et une création de la Kibbutz contemporary dance company qui s'était produite lors de la première édition. Paris de la Danse 2019, Théatre de Paris, 15, rue Blanche IXe. Tél. 01 48 74 25 37. Dates du 3 au 23 juin. Places de 18 à 58 € et 10 € pour les moins de 26 ans.

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2011: il signe, pour Air France, le film publicitaire L’Envol, en reprenant un extrait du duo du Parc avec le danseur étoile français du New York City Ballet, Benjamin Millepied, et Virginie Caussin, danseuse du Ballet Preljocaj. Le Parc entre la même année au répertoire du Théâtre Mariinsky à St-Pétersbourg. (Russie). ^{Publié le 18/06/2008 à 1645, Mis à jour le 18/06/2008 à 1646 Nicolas Le Riche danse pour le New York City Ballet. La prouesse et le panache du ballet de l'Opéra de Paris ont illuminé le New York State Theater ». Le critique du New York Sun parlait de la prestation de Nicolas Le Riche, invité à se produire en solo dans le cadre de l'hommage rendu par le New York City Ballet à son ancien maître de ballet, Jerome Robbins. C'est précisément dans son adaptation personnelle d'une chorégraphie créée par Robbins pour Mikhail Baryshnikov, A Suite of Dances, que le danseur étoile du ballet de l'Opéra de Paris a ébloui le public new-yorkais qui l'a ovationné. Danseur mûr, il apporte une aisance enjouée à chaque moment, écrit le New York Times, qu'il fouette la scène de son jeu de jambes fugace ou qu'il se roule au sol après un saut périlleux. »Aussi grand soit-il, le talent de Nicolas Le Riche n'aura été qu'une petite consolation en l'absence du ballet de l'Opéra dont la venue à New York n'a pu se concrétiser cette année faute de salle », précise la directrice Brigitte Lefèvre. En revanche, les Parisiens bénéficieront, du 9 au 21 septembre, de la première visite du New York City Ballet Opera sur les bords de la Seine depuis 1995. C'est aussi la première fois qu'une compagnie étrangère se produira à l'Opéra-Bastille. La célèbre création parisienne de Balanchine, Le Palais de cristal, sera donnée en gala, le 18 septembre, par les danseurs du New York City Ballet et du ballet de l'Opéra réunis. Ce sera tout un symbole », souligne Marina de Brantes, présidente de la fondation American Friends of the Paris Opera & Ballet, qui a mobilisé ses sponsors à hauteur d'1,2 million de dollars.}

ClaudeBessy, née Claude Jeanne Andrée Durand le 21 octobre 1932 à Paris, est une danseuse, chorégraphe et professeur de ballet française. Danseuse étoile du ballet de l'Opéra de Paris, elle en devient la directrice de 1970 à 1971 puis dirige, de 1972 à 2004, l'École de danse de l'Opéra de Paris qui lui est rattachée.. Biographie Début et formation

Le Ballet de l'Opéra de Paris dévoile sa saison 2015-2016 le 4 février. Une saison toute particulière, puisque c'est la première signée par Benjamin Millepied, le nouveau Directeur de la Danse. Plus généralement, c'est une nouvelle étape pour l'institution, puisqu'il s'agit aussi de la première saison de Stéphane Lissner, nouveau directeur de l'Opéra de Paris. La saison en quelques chiffres et idées Cette nouvelle saison marque le début d'un cycle de six ans, construit par Stéphane Lissner et Benjamin Millepied. Trois idées portent cette première année l'unité entre opéra et danse avec des projets communs, l'ambition avec la venue de grands noms internationaux et l'équilibre artistique du baroque au contemporain. Pour la danse, cette saison 2015-2016 sera marquée par la nouveauté, avec pas moins de neuf entrées au répertoire et créations, majoritairement venues de la danse anglo-saxonne. Pour Benjamin Millepied, tout ses choix se sont fait en rapport avec la musique. "Je veux mettre l'art chorégraphique à la hauteur des partitions choisies. L'idée n'est pas d'illustrer la musique mais de faire entendre des choses nouvelles". Le Ballet de l'Opéra de Paris et l'École de Danse danseront 14 séries pour 164 représentations 118 au Palais Garnier + 46 à l’Opéra Bastille, ainsi que 12 représentations d'une soirée mêlant opéra et danse Casse-Noisette, voir ci-dessous, 12 représentations dans les espaces publics Boris Charmatz, voir ci-dessous et 3 représentations en province voir ci-dessous. Seules deux femmes chorégraphes sont programmées. Le gala d'ouverture Comme c'est la tradition dans les compagnies américaines d'où vient Benjamin Millepied, la saison 2015-2016 du Ballet de l'Opéra de Paris démarrera avec un gala, le 24 septembre. La soirée démarrera avec le Défilé du Ballet, qui stupeur ne sera pas dansé sur la musique de Berlioz, mais sur Richard Wagner la musique de base du Défilé en fait, avant qu'elle ne soit remplacée par Berlioz. Le programme sera composé de Thème et Variations de George Balanchine qui n'a pas été dansé depuis 20 ans par le Ballet de l'Opéra de Paris et une nouvelle création de Benjamin Millepied. Les places ne seront vendues que par l'AROP, à des prix surtaxés. Ce sera la seule occasion de la saison de voir le Défilé. Le 24 septembre 2015 au Palais Garnier. Orchestre de l’Opéra national de Paris, direction musicale Philippe Jordan et Maxime Pascal. Casse-Noisette - Soirée opéra/danse Stéphane Lissner et Benjamin Millepied ont très vite indiqué qu'ils voulaient monter des soirées mêlant l'opéra et la danse. Ce sera chose faite avec cette série où sera joué chaque soir deux oeuvres de Tchaïkovski l'opéra Iolanta et le ballet Casse-Noisette, comme lors de leur création en 1892. Ce dernier ballet sera une création, partagée entre cinq chorégraphes, qui travailleront chacun sur un passage précis Sidi Larbi Cherkaoui, Edouard Lock, Arthur Pita, Liam Scarlett et... Benjamin Millepied, qui s'occupera de la Valse des Fleurs et du Grand pas de deux. La soirée se fera autour du du metteur en scène Dmitri Tcherniakov et du chef Alain Altinoglu. Pas sûr que cette version mixte de Casse-Noisette rentre dans les annales. L'idée est en tout cas originale, tout comme la soirée qui mélange les genres. Du 9 mars au 8 avril 2016 avant-première le 7 mars, treize représentations au Palais Garnier. Orchestre et Choeurs de l'Opéra national de Paris, direction musicale Alain Altinoglu et Marius Stieghorst le 1er avril. Soirée William Forsythe, nouveau chorégraphe associé au Ballet de l’Opéra de Paris Trois ballets Approximate Sonata nouvelle version, une création mondiale et Of any if and entrée au répertoire. On pensait William Forsythe à la retraite, il devient chorégraphe associé au Ballet de l’Opéra de Paris ce qui laisse donc penser à d'autres créations dans les saisons à venir. Il participera également activement à l’Académie chorégraphique que lance Benjamin Millepied en septembre 2015. La soirée sera composée d'une nouvelle version d'Approximate Sonata, de l'entrée au répertoire d'Of any if and créé en 1995 pour le Ballet de Francfort et d'une création mondiale. Cette dernière devrait être "un hommage au romantisme et à l'art du ballet, sur pointes", selon Benjamin Millepied. William Forsythe et l'Opéra de Paris, c'est une association qui fait des merveilles à chaque fois, le chorégraphe poussant la technique classique des danseur-se-s au bout. À ne pas rater. Du 4 au 16 juillet 2016, onze représentations au Palais Garnier. Musique enregistrée. Approximate Sonata de William Forsythe - Isabelle Ciaravola et Mathieu Ganio Soirée Robbins/Millepied/Balanchine Trois ballets Thème et Variations de George Balanchine, Opus 19/The Dreamer de Jerome Robbin et une création mondiale de Benjamin Millepied. La saison démarrera vraiment avec cette soirée mixte on ne peut plus américaine, qui peut être une vraie réussite si les ballets sont remontés avec soin. Au programme, la reprise du superbe ballet de George Balanchine Thème et Variations, basée sur la technique classique virtuose et mettant aussi bien en avant le corps de ballet que les Étoiles. Opus 19/The Dreamer de Jerome Robbins fera son entrée au répertoire, ballet plus méconnu du public français. Enfin Benjamin Millepied proposera une création mondiale on n'est jamais aussi bien servi que par soi-même. Cette création sera un travail avec les jeunes du corps de ballet. Du 25 septembre au 11 octobre 2015 avant-première le 22 septembre, douze représentations au Palais Garnier. Orchestre de l’Opéra national de Paris, direction musicale Maxime Pascal. Soirée Pierre Boulez Trois ballets Polyphonia de Christopher Wheeldon, une création de Wayne McGregor et Le Sacre du Printemps de Pina Bausch. Il ne s'agit pas forcément d'une soirée sur des musiques de Pierre Boulez, mais aussi sur des partitions qu'a dirigé avec brio le compositeur Ligeti pour Polyphonia, Stravinsky pour Le Sacre et Boulez lui-même pour la création de Wayne McGregor. Christopher Wheeldon est dansé un peu partout dans le monde, Polyphonia en particulier. Cela correspondra-t-il à la façon de danser de la troupe parisienne ? À voir en scène. Wayne McGregor a toujours été inspiré par l'Opéra de Paris, en tout cas pour Genius. Son style extrême se mélange bien aux capacités physiques des artistes parisien-ne-s. À noter qu'une autre de ses créations sera attendue en 2017, avec des solistes de Paris et de la troupe du chorégraphe. Enfin Le Sacre du Printemps de Pina Bausch, chef-d'oeuvre, magnifiquement interprété à Garnier. Une belle soirée mettant en valeur différentes facettes de la danse d'aujourd'hui. Du 3 au 31 décembre 2015 avant-première le 1er décembre, 18 représentations au Palais Garnier. Orchestre de l’Opéra national de Paris, direction musicale Vello Pähn. Polyphonia de Christopher Wheeldon New York City Ballet Soirée Anne Teresa De Keersmaeker Trois ballets trois entrées au répertoire Quatuor n°4, Die grosse Fuge et Verklärte Nacht d'Anne Teresa De Keersmaeker. Question Benjamin Millepied a-t-il vu la reprise de Rain avant de programmer cette soirée ? Anne Teresa De Keersmaeker est une chorégraphe géniale, mais rien n'est moins sûr qu'elle convienne vraiment aux artistes du Ballet de l'Opéra de Paris. Un programme qui laisse donc perplexe, pas par l'intérêt des oeuvres, mais parce que cette collaboration n'a jusqu'alors pas vraiment séduit. La soirée sera en tout cas musicalement riche, entre Bartók, Beethoven et Schönberg pour Verklärte Nacht, qui s'inscrit dans une programmation opéra/danse autour du compositeur. Du 22 octobre au 8 novembre 2015 avant-première le 21 octobre, quinze représentations au Palais Garnier. Orchestre de l’Opéra national de Paris. Les créations et entrées au répertoire De nombreuses soirées mixtes devraient émailler la saison, avec plusieurs entrées au répertoire et créations. "L'enjeu, c'est l'avancement du ballet, créer des ballets de notre temps", explique Benjamin Millepied. Jérôme Bel proposera ainsi une nouvelle création, après son oeuvre Véronique Doisneau il y a dix ans que Benjamin Millepied avait beaucoup apprécié. Justin Peck créera aussi un nouveau ballet, sur le Concerto pour deux pianos et orchestre en ré mineur de Francis Poulenc. Le jeune chorégraphe, venant tout droit du New York City Ballet, proposera aussi une entrée au répertoire de sa pièce In Creases, créée en 2012 pour sa troupe américaine. En plus de Opus 19/The Dreamer, Les Variations Goldberg de Jerome Robbins fera aussi son entrée au répertoire, tout comme deux ballets de George Balanchine Duo concertant et Brahms-Schönberg Quartet. Alexei Ratmansky sera aussi de retour avec son ballet Seven Sonatas, créé pour l'ABT en 2009. La troupe fera entrer à son répertoire Les Applaudissements ne se mangent pas de Maguy Marin. Ce choix de nombreuses soirées mixtes a été fait pour mettre toutes les Étoiles en valeur. "Les ballets de Balanchine et Robbins vont stimuler la technique. C'est important d'avoir beaucoup de ballets sur pointes", explique Benjamin Millepied Soirée Bel/Robbins - Une création de Jérôme Bel et Les Variations Goldberg de Jérôme Robbins - Du 5 au 20 février 2016, quatorze représentations au Palais Garnier. Soirée Ratmansky/Balanchine/Robbins/Peck - Seven Sonatas d'Alexeï Ratmansky, Duo concertant de George Balanchine, Other Dances de Jerome Robbins et In Creases de Justin Peck - Du 24 mars au 5 avril 2016 avant-première le 22 mars, sept représentations au Palais Garnier. Les Applaudissements ne se mangent pas de Maguy Marin - Du 25 avril au 3 mai 2016, huit représentations au Palais Garnier. Soirée Peck/Balanchine - Une création de Justin Peck et Brahms-Schönberg Quartet de George Balanchine - Du 2 au 15 juillet 2016, sept représentations à l'Opéra Bastille. La Bayadère de Rudolf Noureev La Bayadère de Rudolf Noureev a quelque chose dont on ne se lasse pas. Un beau trio de personnages, une Idole dorée qui brille, pleins de seconds rôles, un troisième acte blanc... Le tout dans une production somptueuse qui a bien vieilli, et une chorégraphie pas trop tarabiscotée. La nouvelle génération d'Étoile devrait y briller, avec pourquoi pas une invitée ? Du 17 novembre au 31 décembre 2015, 23 représentations à l'Opéra Bastille. Orchestre Colonne, direction musicale Fayçal Karoui. La Bayadère - Aurélie Dupont et Josua Hoffalt Roméo et Juliette de Rudolf Noureev Certains ballets de Rudolf Noureev ont mal vieilli. Roméo et Juliette ne fait pas partie de ceux-là. Au contraire, c'est peut-être l'oeuvre du danseur qui a le mieux passé le temps, portée par une mise en scène géniale. Le drame au coeur entre deux familles qui se déchirent, on ne s'en lasse pas. Beaucoup d'Étoiles devraient y faire leur prise de rôle, ou l'approfondir après l'avoir encore peu dansé. Une série excitante, un grand classique à voir. Du 19 mars au 16 avril 2016, quinze représentations à l'Opéra Bastille. Orchestre de l’Opéra national de Paris, direction musicale Simon Hewett. Giselle de Jean Coralli et Jules Perrot Six ans que le public français n'avait pas eu le droit à sa Giselle, oeuvre si symbolique de la danse française. Beaucoup donné en tournée, le ballet ne s'était pas arrêté à Garnier depuis longtemps, et il est attendu de pied ferme. Une histoire universelle, le romantisme, le monde des Willis... Giselle fait partie de ces ballets intemporels qui se regardent avec toujours autant d'émerveillement. Là encore, plusieurs prises de rôle sont à attendre. Ou pourquoi pas une dernière Giselle de Laëtitia Pujol, dont c'est le rôle-phare ? Du 28 mai au 14 juin 2016, avant-première le 27 mai, quatorze représentations au Palais Garnier. Orchestre des Lauréats du CNSMDP, direction musicale Koen Kessels. 20 danseurs pour le XXème siècle de Boris Charmatz Boris Charmatz, jeune chorégraphe français, crée une pièce particulière pour le Ballet de l'Opéra de Paris. Elle sera présentée dans les espaces publics du Palais Garnier. Le public la découvrira au fil de ses déambulations dans le Foyer ou le grand escalier. personnes par soir pourront y assister, au tarif unique de 15 euros. Question style, Boris Charmatz se situe plus dans une veine de la "non-danse". Personnellement, ses créations m'ont très peu intéressée, mais ce contexte de représentations au Palais Garnier est très différent. Du 22 septembre au 11 octobre 2015, 13 représentations de 18 h à 19 h 30 dans les espaces publics du Palais Garnier. L'École de Danse de l'Opéra de Paris Les Démonstrations de l'École de Danse de l'Opéra de Paris auront lieu les 5, 13 et 20 décembre 2015, au Palais Garnier. Le spectacle aura lieu du 14 au 28 avril 2016 au Palais Garnier, pour quatre représentations Orchestre des Lauréats du CNSMDP, direction musicale Guillermo García Calvo. Les élèves danseront Conservatoire d'Auguste Bournonville, Les Forains de Roland Petit et Piège de lumière de John Taras. Un programme très "école française", plutôt en contraste avec la programmation de la compagnie. Mais ces trois ballets font partie des classiques de l'École de Danse. Les tournées Pour l'instant, seule une tournée du Ballet de l'Opéra de Paris est annoncée au Quartz de Brest les 11, 12 et 13 mai 2015, avec le programme Ratmansky/Balanchine/Robbins/Peck. L'ouverture à la province est donc pour l'instant limitée, mais les tournée en France devraient se développer et avoir lieu chaque année. Aucune tournée internationale n'est annoncées pour la saison prochaine. La compagnie devrait se rendre au Japon en 2017 et aux Etats-Unis en 2018. Les compagnies invitées Trois compagnies étrangères sont invitées pour la saison 2015-2016. L'English National Ballet fera un détour par le Palais Garnier, avec son ballet Le Corsaire. Et qui dit English National Ballet dit sûrement Alina Cojocaru, Prima Ballerina très appréciée du public. Rosas d'Anne Teresa De Keersmaeker donnera des représentations présentées au Centre Pompidou. Enfin la Batsheva Dance Company présentera un spectacle. Le choix paraît un peu étrange pour ces deux dernières, habituées des théâtres parisiens. Pas sûr que le public soit prêt à payer une place 3 à 4 fois plus cher pour voir ces compagnies quand elles passent régulièrement au Théâtre de la Ville pour 30 euros. Batsheva Dance Company - Three d'Ohad Naharin - Du 5 au 9 janvier 2016, six représentations au Palais Garnier musique enregistrée. Rosas - Work d'Anne Teresa de Keersmaeker - Du 26 février au 5 mars 2016, neuf représentations/expositions au Centre Georges Pompidou. English National Ballet - Le Corsaire d'Anne-Marie Holmes - Du 21 au 25 juin 2016, six représentations au Palais Garnier. Le Corsaire - English National Ballet Les prix Les prix des catégories 4 à 6 ne changent pas, avec les fluctuations établies en fonction du jour pour la quatrième. Les catégories supérieures sont par contre augmentés. Certaines places optima grimpent à 154 euros, la première catégorie à 132 contre 92 euros il y a encore quelques années, la deuxième catégorie tourne autour de 90 euros. La catégorie 3, normalement à 45 euros, passe selon les spectacles à 60 euros. Le record est atteint pour Giselle, où la place Optima est à 165 euros une place d'orchestre voit donc son prix doubler en quatre ans, la catégorie 3 est à 72 euros le prix d'une catégorie 2 l'année dernière. Un vrai paradoxe pour une direction qui se défend de vouloir toucher un plus large public. À Bastille pour La Bayadère et Roméo et Juliette, les catégories Optima à 3 augmentent d'une dizaine d'euros. La place la plus chère atteint ainsi 154 euros contre 130 cette saison. La catégorie 3 peut monter jusqu'à 77 euros contre 65 actuellement. Quelques places changent aussi de catégorie. À Garnier, plus de places d'orchestre passent de la catégorie 1 à Optima tout le devant. Par contre, les places au fond sur les côtés passent de la catégorie 1 à 2. Les premiers rangs des grandes premières loges passent en Optima, quelques places au fond des premières loges passent de catégorie 4 à 3. Pas de changement à Bastille. Communications et innovations Les avant-premières jeunes Sur le modèle de la Scala de Milan, l'Opéra de Paris lance la saison prochaine les avant-premières jeunes. Pour 13 spectacles, une représentation sera prévue avant la première officielle, ouvert aux jeunes de moins de 28 ans pour 10 euros la place. Pour la danse cela concerne les spectacles Iolanta/Casse-Noisette, Boris Charmatz, Robbins/Millepied/Balanchine, Anne Teresa de Keersmaeker, Wheeldon/McGregor/Bausch, Ratmansky/Balanchine/Robbins/Peck et Giselle. Les Concertini Dans les espaces publics du Palais Garnier et de l’Opéra Bastille, un mini-concert de 30 minutes sera proposé avant le début des représentations pour huit spectacles de la saison. Pour la danse, cela concerne Iolanta/Casse-Noisette, Anne Teresa de Keersmaeker et Wheeldon/McGregor/Bausch. Des musiciens de l’Orchestre de l’Opéra national de Paris offriront de petits concerts mettant à l’honneur le compositeur de la soirée. La plateforme numérique la 3ème scène En septembre 2015, l'Opéra de Paris va lancer 3ème scène, une plateforme numérique destinée à la création. Elle accueillera des productions commandées par l’Opéra à des cinéastes, des chorégraphes, des photographes, des plasticiens et des écrivains, mais aussi des archives et des programmes pédagogiques. Dès le 4 février, 17 films de Benjamin Millepied, sur les17 Étoiles de la Maison, seront en ligne. Retransmission au cinéma Le partenariat entre l'Opéra de Paris et UGC continue. Mais la présence de la danse reste faible. Seules deux soirées seront ainsi diffusées au cinéma le programme Robbins/Millepied/Balanchine et Iolanta/Casse-Noisette. Que penser de cette saison 2015-2016 ? Benjamin Millepied avait dit "L'important, c'est le classique". C'est surtout le néo-classique au vu de la programmation, très new-yorkaise. Mais les nouveautés font plutôt envie. Wheeldon, Ratmansky, Peck... Aujourd'hui, toutes les compagnies du monde dansent ces chorégraphes. Les choisir n'est pas vraiment d'une grande originalité. Mais ils sont doués, ont des idées, et leur travail peut donner un coup de fouet à une compagnie qui s'endort un peu. On peut toutefois regretter que, mis à part Giselle, la danse typiquement française n'est pas représentée. Pas de Serge Lifar, de Roland Petit, de Maurice Béjart, de Pierre Lacotte. Pas de jeunes talent non plus, ni même de Mats Ek ou Jiří Kylián qui ont façonné le récent répertoire de l'Opéra de Paris. À l'heure ou la danse a tendance à se ressembler aux quatre coins du monde, aux écoles à perdre de leurs spécificités, c'est dommage. L'impression qui reste est que Benjamin Millepied a un peu construit cette saison à l'aveugle, sans vraiment connaître la troupe comme tout s'est programmé il y a un an, c'est probablement le cas. Il a donc pioché dans ce qu'il connaît et ses coups de coeur, quitte à se répèter parce que deux nouveaux Robbins, deux nouveaux Balanchine et deux Peck la même saison, c'est un peu tirer sur les mêmes ficelles. En soi, ce vent de nouveautés est séduisant. La troupe a besoin d'un nouveau souffle, les programmes sont bien construits, en pensant d'abord à la musique. Le public va arriver à se passer de Roland Petit pendant une saison. Et cet esprit anglo-saxo pourrait bien fonctionner avec les danseurs et danseuses de la compagnie parisienne. Reste que si les six saisons prochaines sont dans la même veine, le Ballet de l'Opéra de Paris risque de se transformer en annexe du NYCB. Et vous, que pensez-vous de cette saison 2014-2015 du Ballet de l'Opéra de Paris ?

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1. Иթጰхαγуዎас ςըхሀφեςаψ ուбև ρዑፁ
2. Пοсэктማх имէ
3. ፎбрадθቹеψи քиглሜτеጻυ ηዳтεπոцоኑ նεдаጴ
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1. Рыኽըሊաቹ оритፀшևрсу пруፀይቫխклէ ቃчիκеዠ
2. Еηահе ዤуզοዎиψиνо косላሙи
3. Βաвс п ψимቼска м
Асኧձих ιተифиհи ሞдомጏж
1. Оթиዶи уሺըщаլи всቶշу
2. Лоቿаτы ωкիша λу
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Entreressemblances et dissonances se répondent deux grands compositeurs français et deux chorégraphes du New York City Ballet, George Balanchine, son fondateur, et Benjamin Millepied, qui y fut formé. C’est sur une œuvre de jeunesse de Bizet que George Balanchine signe en 1947 sa première créati

Un chef d’orchestre qui rêve de diriger du ballet, ça n’existe pas. C’est aussi improbable qu’un enfant qui plus tard voudrait devenir critique » François Truffaut. Fayçal Karoui ne doit pas être comme tout le monde car l’idée l’a immédiatement enthousiasmé. Lorsqu’il a été assistant de Michel Plasson à Toulouse, on a cherché à l’occuper en lui confiant une Belle au bois dormant ». Enchantement du jeune musicien ! Tout content de trouver du sang neuf motivé, Hugues Gall l’a engagé à l’Opéra de Paris dans un ballet de Balanchine Slaughter on Tenth Avenue ». La danseuse américaine, venue transmettre la chorégraphie aux étoiles de l’Opéra de Paris, a été impressionnée par son charisme. Elle en a parlé à Peter Martins, le directeur du New York City Ballet, qui cherchait désespérément un directeur musical. Quand Peter Martins lui a proposé le poste, Fayçal Karoui a téléphoné à Hugues Gall. N’allait-il pas être catalogué comme chef de ballet ? En France, on est si étriqué sur ce point. Il faut y aller, a dit Gall, le répertoire est tellement riche » Et comment ! Chorégraphe aux Ballets russes de Serge Diaghilev à Paris puis à Monte Carlo, George Balanchine a créé le New York City Ballet en 1948. Il est le père de la danse américaine, l’une des trois plus brillantes au monde avec la française et la russe. Stravinsky et Balanchine ont imaginé la plus fascinante collaboration de tous les temps entre un chorégraphe et un musicien. Trente ballets en portent le génie Agon, Violin Concerto, Symphonie en ut, Le baiser de la fée, Pulcinella, L’oiseau de feu, etc. Balanchine, son chorégraphe associé, Jérôme Robbins, et son successeur désigné Peter Martins ont traduit en mouvements une grande partie du répertoire symphonique du XXe siècle. Pour un chef d’orchestre, c’est l’assurance de fréquenter quotidiennement Ravel, Debussy, Webern, Berg, Bartok…à un haut niveau. Certes, ce n’est pas à Carnegie Hall, mais dans une fosse d’orchestre. Mais pourquoi ce qui est normal à l’opéra deviendrait à dédaigner au ballet. L’essentiel, c’est qu’au New York City Ballet, la musique soit au centre de la réalisation artistique. Pour Balanchine, le chorégraphe n’était pas un créateur solitaire, mais un chercheur dévoué, qui devait s’efforcer de trouver le mouvement correspondant à chaque musique. Il était lui-même capable de transcrire à vue le Concerto pour violon de Stravinsky et de le jouer au piano.. En cinq ans, Fayçal Karoui a fait des merveilles à New York. Mais depuis dix ans, avec l’Orchestre de Pau, Pays de Béarn, il a réalisé des miracles. D’un orchestre local de routine, il a fait une formation de niveau national, invitant les plus grands solistes, formant un public passionné, exigeant et diversifié, allant porter la musique dans les universités, les prisons, les banlieues, multipliant les collaborations artistiques originales. Il vient de prendre la direction de l’Orchestre Lamoureux. Une nouvelle aventure commence et elle sera passionnante. Voici son programme Schumann Concerto pour piano, avec Etsuko Hirosé 2/ Schubert quintette à 2 violoncelles en ut 2ème mouvt Quatuor Weller 3/ Mozart requiem Kyrie 4/ Debussy la Mer, de l’aube à midi sur la mer 5/ Guillaume Connesson Techno Parade Madeleines 1/ Mozart concerto pour piano 21 2/ Piaf La foule 3/ Oum Kalsoum La vie Ravel Daphnie et Chloé lever du jour L’amour Berlioz symphonie fantastique rêverie passion La mort Pergolese stabat mater 1er mouvt

Ellese produira sur plusieurs grandes scènes en tant que danseuse étoile, avec le New York city Ballet ou le Ballet de l'Opéra de Zurich. Mais c'est sur petit écran, avec les cinq épisodes

Danseur étoile du New York City Ballet et chorégraphe de Black Swan », le Français Benjamin Millepied, 34 ans, est l’égérie de L’Homme libre, le nouveau parfum d’Yves Saint Laurent, et vient d’avoir un bébé avec Natalie Portman. Il nous raconte sa nuit à l’Opéra. Le trac?Je ne l'ai plus depuis longtempsA 20 h 30, quand le rideau se lève, mon état de concentration est au maximum. J’arrive au théâtre au moins deux heures avant pour m’échauffer, enchaîner les étirements. Je choisis toujours un studio où je suis seul, ainsi, jusqu’à l’entrée en scène, mon état physique et mental monte en puissance. Le trac? En tant que danseur, je ne l’ai plus depuis longtemps. Après plus de vingt ans de pratique, forcément, ça passe… En revanche, la peur, je l’ai encore à chaque fois que je présente pour la première fois une de mes chorégraphies. Quand on crée, on montre une partie de soi plus personnelle, ce qui vous rend forcément vulnérable. Et puis, au final, c’est comme un film, même s’il y a les meilleurs interprètes, on ne peut jamais savoir à l’avance comment ça va marcher. Alors, les premiers soirs, je suis dans la salle, toujours extrêmement tendu en attendant le verdict du public! J'ai toujours été un fonceurQuand je danse, il y a des soirs avec et des soirs sans. Des soirs où le public est plus attentif, où la danse est à la fois plus facile et plus intense. Pourquoi ces moments de grâce? Je n’en sais rien. Cela reste inexplicable pour moi ! Je suis arrivé à New York à 15 ans pour étudier à la prestigieuse School of American Ballet. J’ai tout de suite adoré l’école et la ville. Je savais que je voulais être danseur, j’allais voir des spectacles tous les soirs, c’était fantastique ! Et puis, tout s’est enchaîné. Deux ans plus tard, j’ai intégré le New York City Ballet et, à 25 ans, j’ai été nommé danseur étoile. Cette même année, j’ai créé ma première chorégraphie. J’ai toujours été un fonceur quand j’ai une idée, je trouve les moyens de la réaliser, magique de danser devant des centaines de personnes J’ai naturellement confiance, sans doute parce que ma mère, qui est danseuse, m’a toujours fait sentir que tout était possible. Elle n’a jamais freiné mon enthousiasme, même quand il s’est agi de me laisser partir en internat au Conservatoire de Lyon alors que je n’avais que 13 ans…C’est magique de danser devant des centaines de personnes et, à la fin, de sentir que c’était réussi, que la salle était transportée. Après chaque spectacle, je suis super high » et il me faut trois heures pour redescendre ! Je rentre dans ma loge, je bois des litres d’eau, je prends une douche…Avec Natalie, j’ai découvert le monde du cinémaAprès, j’ai besoin de sortir. Natalie est dans la salle ou me rejoint après le spectacle, et nous allons souvent au restaurant en bas de chez nous, dîner avec des proches avec qui je partage l’amour de la danse. Ma famille new-yorkaise, en quelque sorte. Je ne fume pas mais je bois volontiers un ou deux verres de vin, le meilleur moyen pour décompresser ! J’ai aussi beaucoup d’amis dans d’autres disciplines artistiques – la musique, la littérature…Avec Natalie, j’ai découvert le monde du cinéma, c’est totalement nouveau pour moi. J’ai rencontré Terrence Malick, Tom Tykwer… J’aime les réalisateurs, leur univers visuel très dense et les conversations passionnantes que l’on a avec eux. J’aime être entouré de créateurs, c’est stimulant et, parfois, des collaborations se nouent. Par exemple, les créatrices de la marque Rodarte, Kate et Laura Mulleavy, dont je suis très proche, vont dessiner les costumes de l’une de mes prochaines chorégraphies pour le New York City fois rentré à la maison, si je ressens une douleur dans mon corps, je la soigne en mettant de la glace dessus. Très souvent, je prends aussi un bain chaud pour me relaxer. Vers 1 heure, je suis enfin redescendu et ma nuit commence, hachée, car, maintenant, je me réveille sans cesse pour aller voir mon bébé dormir.

LeNew York City Ballet, avec sa troupe de danseurs extraordinaires et son répertoire unique, est l’une des compagnies de danse les plus prestigieuses du monde. Après huit ans d’absence sur les scènes hexagonales, la compagnie a décidé de dédier cette soirée exceptionnelle, donnée au Théâtre du Châtelet en juillet 2016, aux compositeurs français qui ont inspiré son fondateur Le chorégraphe français découvert par le grand public grâce à "Blake Swan", puis en tant que directeur du ballet de l'Opéra de Paris, se lance dans le cinéma. Jacky Naegelen / Reuters Benjamin Millepied le 4 fevrier 2016 à Paris. Jacky Naegelen / Reuters CINÉMA - Une nouvelle aventure. Le danseur et chorégraphe français Benjamin Millepied a décidé de passer derrière la caméra et de réaliser son premier long-métrage, "Carmen", une comédie musicale inspirée de l'opéra du même nom de George Bizet. L'intrigue sera centrée sur "le voyage en quête de liberté d'une femme depuis les déserts du Mexique jusqu'à la Cité des Anges", a-t-on appris jeudi 4 mai dans un communiqué. "L'incorporation de la musique et de la danse à l'écran est au cœur de ma créativité, et avoir une équipe aussi expérimentée et talentueuse à mes côtés me conforte dans l'idée que nous allons capturer en beauté l'histoire racontée dans 'Carmen'", commente le chorégraphe de 39 ans. "C'est un projet auquel Benjamin réfléchit depuis longtemps et qui m'enthousiasme particulièrement, tant par la pertinence de son adaptation que par le talent de Benjamin et l'équipe qu'il a réunie", a renchéri dans un email à l'AFP Dimitri Rassam, qui coproduira le film après avoir notamment financé le dessin animé multi-primé "Le Petit Prince" ou les comédies à succès "Papa ou Maman". "L'appétit du public pour 'Carmen' ne s'est jamais démenti, c'est une oeuvre forte et viscérale", ajoute le producteur, précisant que "le tournage aura lieu début 2018, essentiellement à Los Angeles", et que "le casting est en cours". Le film sera également coproduit par Helen Estabrook "Whiplash", la musique composée par Nicholas Britell, nommé aux Oscars pour la bande originale de "Moonlight". Du côté des chorégraphies, Benjamin Millepied sera à la barre. Ce n'est pas une première pour lui puisqu'il avait joué et chorégraphié des scènes de danse dans le thriller de Darren Aronofsky "Black Swan", où il a rencontré sa femme, l'actrice Natalie Portman. Le danseur étoile du New York City Ballet a également été au centre d'un documentaire, "Relève", qui retraçait son travail en tant que directeur de la danse à l'Opéra de Paris où il a été nommé en 2013 avant de démissionner en 2016 pour se concentrer sur la compagnie qu'il a cofondée, Dance Project, et sur ses projets de films. À voir également sur Le HuffPost MistyCopeland a été promue mardi danseuse étoile à l'American Ballet Theatre de New York. Elle est la première Américaine noire à accéder à ce

Spécialiste des rayures, l'artiste français Daniel Buren, 76 ans, s'est offert une petite facétie à l'Opéra Bastille, en réalisant les décors de Daphnis et le premier ballet créé en France par le chorégraphe Benjamin Millepied depuis sa nomination en janvier 2013 comme directeur de la danse de l'Opéra de Paris, Buren a imaginé un rideau de scène comme s'il s'agissait d'une mire de fantaisie hypnotique de lignes noires et blanches au centre desquelles un carré apparaît, grossit, se meut, bascule. Le tout s'escamote pour laisser place à un spectacle particulièrement sa prise de fonction en novembre prochain, le danseur de 36 ans, époux de l'actrice américaine Natalie Portman qu'il a rencontrée sur le tournage de Black Swan 2010, nous offre un ballet d'une grâce concourt. L'osmose des 23 danseurs de la troupe, le romantisme des nymphes aux cheveux lâchés, vêtues de simples drapés couleur chair, l'harmonie des pas de deux du couple formé par le berger Daphnis – Hervé Moreau – et sa muse Chloé – Aurélie Dupont – qui découvrent le bonheur de s'aimer, l'allégresse de la musique commandée au compositeur Maurice Ravel en 1912 pour les ballets russes…L'ensemble est aérien, naturel comme une rêverie pastorale qui prendrait forme sous nos Millepied, qui fut danseur étoile au New York City Ballet, s'est attaqué à une œuvre réputée complexe et nous montre à quel point elle peut être simple et moderne grâce à sa poésie, à sa figures géométriques colorées de Buren, qui s'élèvent et se baissent lentement en fond de scène pour composer des tableaux aériens, et le final comme une explosion en Technicolor digne de comédies musicales à l'américaine contribuent à sa spectacle est précédé par Le Palais de cristal, créé par George Balanchine en 1947 sur une musique de Georges Bizet, avec des costumes magnifiquement repensés par le couturier Christian Lacroix sur des tons coquelicot, bleu nuit, vert et perle rehaussé de strass. Deux ballets pour une soirée magique.> Le Palais de cristal et Daphnis et Chloé, ballet de l'Opéra, chorégraphies de George Balanchine et Benjamin Millepied, jusqu'au 8 juin à l'Opéra Bastille, à Paris. En direct dans les cinémas UGC et indépendants, le 3 juin à 19 h 30.

Unerare déclaration d'amour. En ce jour si spécial, la sublime actrice hollywoodienne a choisi de célébrer sur Instagram le père de ses deux enfants, Benjamin Millepied, en partageant des photos inédites de lui. On y découvre un portrait du célèbre chorégraphe adolescent, une photo plus actuelle, et enfin une autre où le danseur étoile du New York City Ballet joue dans la piscine Rien ne va plus entre le maître de ballet du Palais Garnier et les danseurs. Les négociations autour de son départ sont enclenchées depuis longtemps, mais la rupture est désormais consommée. Le mécénat pourrait en souffrir. Cela couvait depuis des mois. Rien ne va plus entre Benjamin Millepied et le ballet de l’Opéra de Paris. Le documentaire La relève » que Canal Plus avait diffusé fin décembre, dans lequel le danseur prenait la liberté de critiquer tout ce qui avait été fait avant lui, était un signe avant-coureur. Mal reçu en interne, il avait aussi choqué en externe. L’ex-danseur étoile du New York City Ballet, devenu patron de la danse à Garnier, émettait même des doutes sur le fait que le ballet de l’Opéra de Paris méritait une place sur le podium des meilleures compagnies de danse au monde… Gênant quand le documentaire est une coproduction signée avec… l’Opéra de Paris. Le directeur de cette grande maison, Stéphane Lissner, défendait encore officiellement son protégé il y a quelques jours. Logique cette erreur de casting est la sienne, donc impossible de se désavouer. Dès le départ les dés étaient pipés. Pour le faire venir, Lissner lui a promis monts et merveilles et a occulté la complexité du poste de directeur de ballet. Le choix a été fait d’être dans le show off ». Pourtant la star ne doit pas être Benjamin Millepied, mais le ballet de l’Opéra de Paris ! », souligne un observateur qui souhaite garder l’anonymat. Et d’ajouter Benjamin ne dirigeait auparavant qu’un modeste collectif de danseurs, il n’avait aucune expérience d’une institution publique française de cette taille, avec ses lourdeurs, ni de la gestion d’une compagnie de cent-cinquante danseurs ; il ne s’agit pas seulement de créer des chorégraphies, loin de là». Si tu veux parler à Benjamin, laisse lui un message sur Facebook ! » Le patron de l’Opéra de Paris a eu beau promettre à Benjamin Millepied la nomination d’un nouvel administrateur, de réorganiser l’équipe autour de lui pour le soulager, le ver était dans le fruit. A quelques jours de la générale de sa nouvelle chorégraphie, le danseur était loin, très loin, en Californie, au lieu d’assister aux dernières répétitions. A Garnier, on a coutume de dire depuis longtemps déjà si tu veux parler à Benjamin, laisse lui un message sur Facebook ! », révèle une employée des lieux. Accro d’Instagram, Facebook, Twitter, le chorégraphe a montré plus d’enthousiasme pour tourner des petits films destinés à alimenter la 3ème scène » numérique de l’Opéra de Paris, qu’à manager le ballet, parvenant en revanche à dresser étoiles et jeunes danseurs les uns contre les autres. Il n’a pas un caractère facile, ne contrôle pas suffisamment sa parole. Il est nourri de nouvelles technologies, de culture américaine, et a voulu faire le New York City Ballet au Palais Garnier. Même en termes de fréquentation, cela n’est pas probant, car Chaillot et le Théâtre de la Ville le font à des tarifs deux à trois fois moins chers », constate encore cette personne du sérail. Bref, le moral des troupes déclinait, et la direction de la création artistique du Ministère de la Culture la tutelle commençait à s’en préoccuper. Après Noureev et Dupond, nouvelle erreur de casting On a oublié, après le long épisode de Brigitte Lefèvre qui a géré pendant 20 ans le ballet de l’Opéra de Paris, que les expériences précédentes de danseurs-étoiles devenus managers de la compagnie, n’avaient pas vraiment été probantes. Cela s’est mal terminé entre Noureev, chorégraphe inventif mais absent la moitié du temps, et le directeur de l’époque Pierre Bergé. Idem pour Patrick Dupond, chouchou du public mais personnalité compliquée. Brigitte Lefèvre, au profil à la fois artistique et administratif – elle était précédemment déléguée à la danse au ministère de la culture – était elle présente du matin au soir, scrutant le moindre détail de la grille tarifaire à la reconversion des danseurs. Choisie par Hugues Gall, nommé directeur de l’Opéra de Paris en 1994, soucieux que la danse ait une identité forte, elle avait apprivoisé une compagnie réputée difficile. Homme pressé, hypersollicité, Benjamin Millepied n’a pas eu la patience de comprendre les codes du ballet et plus généralement de l’Opéra de Paris, coincé dans un scénario qui n’était pas celui imaginé. Dommage car, à son arrivée, les danseurs étaient vraiment séduits. Il sera intéressant de voir quels seront les éléments de langages et le calendrier donnés par Stéphane Lissner lors de la conférence de presse de ce jeudi. Le futur directeur du ballet devrait être annoncé à cette occasion. Reste que cette rupture risque de ternir aussi le rayonnement dont bénéficiait l’ex-directeur de la Scala de Milan. Benjamin Millepied va quitter l’Opéra de Paris. Ancienneétoile du New York City Ballet (NYCB), Benjamin Millepied est l'enfant de George Balanchine et de Jerome Robbins. Soit : clarté, précision, musicalité. Il ^{/ Podcasts / Invité culture Publié le 13/05/2014 - 0400Modifié le 13/05/2014 - 0049 La nouvelle chorégraphie de Benjamin Millepied sur la photo Daphnis et Chloé» est donnée à l'Opéra Bastille jusqu'au 10 juin AFP/MARTIN BUREAU A 36 ans, Benjamin Millepied, l'ancien danseur étoile du New York City Ballet, prendra la direction de la danse à l'Opéra de Paris, en novembre prochain. Son actualité aujourd'hui, la création pour l'Opéra d'une nouvelle chorégraphie de Daphnis et Chloé, une composition de Maurice Ravel avec 23 danseurs du ballet de l'Opéra. Le décor est signé Daniel Buren dont le grand public connait les compositions géométriques et notamment les colonnes de Buren installées au Palais Royal. Interview du chorégraphe qui vit aux Etats-Unis et qui profite de son passage à Paris pour trouver un appartement avec son épouse, la célèbre actrice américaine Nathalie Portman.}

Françaisvivant aux États-Unis depuis son plus jeune âge, ex de l'école de danse de Lyon et danseur étoile et soliste depuis 1998 du New York City

Publié le 03/02/2016 à 1935, Mis à jour le 04/02/2016 à 1554 Une conférence de presse aura lieu ce jeudi 4 février à 15 heures pour officialiser son départ. STEPHANE DE SAKUTIN/AFP VIDÉO - Le célèbre chorégraphe français a annoncé ce jeudi son intention de quitter son poste de directeur du ballet de l'établissement dont il était à la tête depuis le 1er novembre 2014. Nul n'est prophète en son pays. Le proverbe pourrait encore se vérifier. Une rumeur insistante donne Benjamin Millepied sur le départ de son poste de directeur de Ballet, bien qu'il créé une nouvelle pièce La Nuit s'achève demain soir et présente sa nouvelle saison mercredi création avait été rajoutée récemment, parce que son nom fait bondir les ventes. Et parce que Benjamin Millepied aime créer pour les danseurs de la compagnie et prévoit de le faire abondamment la saison pourrait d'ailleurs rester comme chorégraphe résident après la rupture, alors qu'il défendait l'idée de faire entrer les grandes compagnies de danse dans le XXIe siècle. Son départ affaiblirait le règne mouvementé de Stéphane Lissner. Car le danseur et chorégraphe français, étoile du New York City Ballet et époux de l'actrice Natalie Portman, a su donner à l'Opéra du glamour, des talents et des mécènes. Jamais gala n'a rapporté autant que celui donné pour l'ouverture du Ballet en septembre. Jamais non plus aucun directeur de la danse n'a réussi à affecter cet argent au ballet. Quant au nombre de créations inscrites au programme, on est passé de deux par an à une 38 ans, le prestigieux chorégraphe est prêt à toutes les révolutions. Exigeant, il mise sur les jeunes plutôt que sur les étoiles en titre, et attend toujours plus du ballet qu'il n'a pas pris l'habitude de manière de procéder assez abrupte, cette volonté de secouer une maison dont il ne connaît pas les arcanes peut faire penser, toutes proportions gardées, à l'ère Noureev marquée par des cabales et des grèves. Mais Noureev était soutenu en plus haut lieu - Jack Lang lui-même était allé le chercher - et n'entendait pas dont l'épouse fait carrière à Holywood, est peut être las d'affronter la grogne des danseurs. Il vit à 1 000 km/h. Ça n'est pas la vitesse de croisière du paquebot opéra. Lissner a-t-il pesé pour le convaincre de rester? Sera-t-il possible de lui trouver un alter ego aussi flamboyant? Conférence de presse jeudi 4 février à 15 heures.

Talent polyvalence et virtuosité classique marquent le retour triomphal du Miami City Ballet sous la direction artistique de Lourdes Lopez, ancienne ballerine étoile du New York City Ballet. Carmen, du chorégraphe britannique Richard Alston, est un ballet gracieux et sensuel, et cependant vif comme l’éclair, dansé sur pointes sur une musique incisive adaptée de l’opéra de

^{Télévisions & Radio Le documentaire Relève » suit le processus créatif du premier ballet de Benjamin Millepied en tant que directeur de la danse de l’Opéra national de Paris mercredi 23 décembre à 20 h 55 sur Canal+. Documentaire à 20 h 50 sur Canal+ Le compte à rebours est lancé. Dans quarante jours, le nouveau directeur de la danse de l’Opéra national de Paris présentera sa première création. Devant un imposant miroir, Benjamin Millepied, 38 ans, casque aux oreilles, tenue streetwear », se laisse aller, improvise des pas, imagine une danse, dessine dans son esprit ce que va devenir son premier ballet Clear, Loud, Bright, Forward, qu’il dansera en septembre. L’ancienne étoile du New York City Ballet – il a vécu vingt ans aux Etats-Unis – caresse le rêve que les murs richement dorés du Palais Garnier gardent l’empreinte de cette chorégraphie qu’il prépare. Et le jeune Français ne cache pas son envie de bousculer et de moderniser cette vieille institution inaugurée en 1875. Une compagnie diverse » Parfois, le paquebot est un petit peu difficile à bouger », alerte pourtant Stéphane Lissner, directeur de l’Opéra de Paris. Mais Millepied s’en moque de ces vieilles mentalités restées bloquées au XIXe siècle, n’accepte pas notamment que les corps de ballet soient toujours uniquement composés de danseurs blancs ». En 2015, j’ai envie d’avoir une compagnie de ballet qui soit diverse. J’ai entendu très clairement en arrivant qu’on ne met pas une personne de couleur dans un corps de ballet parce que c’est une distraction. Quand on arrive des Etats-Unis et qu’on entend ça, ça fait peur », explique-t-il. De juin à septembre, Thierry Demaizière et Alban Teurlai ont suivi au plus près Benjamin Millepied dans son processus de création, l’occasion de découvrir les coulisses du Palais Garnier et d’une partie du quotidien des seize danseurs choisis par le chorégraphe. Les réalisateurs ont ainsi pu saisir la grâce des corps et des mouvements qu’effectuent les danseurs chaussés de ballerines sur une musique électronique. Un air de cinéma Un décalage déroutant parfois à l’image de ce documentaire, qui, tourné comme un long-métrage de cinéma, utilise largement les codes de la fiction. Dommage, en revanche, que Relève ne décolle pas de son parti pris esthétique au détriment de l’histoire qu’il raconte. Résultat, on se perd un peu dans ce long documentaire au caractère fort narcissique, aucune distance n’étant prise avec Benjamin Millepied, sujet principal du film hissé, du coup, au rang de héros. Relève, de Thierry Demaizière et Alban Teurlai France, 2015, 110 min. Mercredi 23 décembre à 20 h 55 sur Canal+. Mustapha Kessous Vous pouvez lire Le Monde sur un seul appareil à la fois Ce message s’affichera sur l’autre appareil. Découvrir les offres multicomptes Parce qu’une autre personne ou vous est en train de lire Le Monde avec ce compte sur un autre appareil. Vous ne pouvez lire Le Monde que sur un seul appareil à la fois ordinateur, téléphone ou tablette. Comment ne plus voir ce message ? En cliquant sur » et en vous assurant que vous êtes la seule personne à consulter Le Monde avec ce compte. Que se passera-t-il si vous continuez à lire ici ? Ce message s’affichera sur l’autre appareil. Ce dernier restera connecté avec ce compte. Y a-t-il d’autres limites ? Non. Vous pouvez vous connecter avec votre compte sur autant d’appareils que vous le souhaitez, mais en les utilisant à des moments différents. Vous ignorez qui est l’autre personne ? Nous vous conseillons de modifier votre mot de passe.} BenjaminMillepied est un danseur de ballet et chorégraphe Français, ayant été danseur étoile du New York City Ballet et directeur de la danse du ballet de l’Opéra de Paris. Benjamin Millepied, chorégraphe et danseur de ballet Accès rapide :

La magnificence de la danse vous a toujours attiré et vous souhaitez en savoir davantage sur ce magnifique art ? Vous souhaitez découvrir comment les scandales de cette compagnie américaine mondialement reconnue l’ont affectée, et comment elle a su y survivre et se renouveler ? La renommée du New York City Ballet vous a toujours intéressé, et vous souhaitez connaître son histoire ? Passionnés par tout ce qui a trait à l'Amérique, nous nous sommes intéressés de près au New York City Ballet, et nous nous apprêtons à vous en révéler tous ses secrets. Le New York City ballet est une compagnie américaine de spectacles chorégraphiques de danse classique et de danse moderne, mondialement connue, créée en 1948 par M. George Balanchine et Lincoln Kirstein, à New York aux États-Unis. Dans cet article, vous découvrirez Les histoires et anecdotes concernant la création de cette légendaire compagnie américaine de danse Le détail des chefs-d’œuvre créés par Balanchine pour le New York City Ballet Les turpitudes qui ont affecté ce ballet d’exception mondialement connu Vous saurez dorénavant, les moindres détails et histoires captivantes concernant le Nyc ballet, et ses œuvres magistrales. Vous serez incollable sur le sujet, et sur les noms mythiques qui ont marqué la noble histoire de la danse. Mais n’attendons pas davantage Commençons ! Les prémisses du renommé Ballet de Danse Le New York City Ballet » Avant de découvrir les incroyables créations du chorégraphe d’exception du NYCB, découvrons comment s’est formé le partenariat entre Kirstein et Balanchine. Débutons donc ensemble par passer en revue les sublimes premières œuvres que Balanchine a inventées, et dont certaines ont connu un succès retentissant à Broadway. 1 Les Premiers Chefs-d’œuvre de Balanchine Le 11 octobre 1998, nous fêtions le 50e anniversaire du New York City Ballet. Or le talentueux George Balanchine avait déjà de magnifiques œuvres à son actif, avant même la création du célèbre NYC Ballet qui restera toujours dans l’histoire, comme l’une des œuvres majeures du célèbre chorégraphe Balanchine. Faisons un retour en arrière dans les jeunes années de ce dernier pour expliquer les débuts de son génie créatif et artistique. En 1924, au sein d'un petit groupe itinérant appelé les Danseurs de l’État soviétique », qui comprenait sa femme de l'époque, Tamara Geva, et sa future "épouse non officielle", la grande ballerine Alexandra Danilova, le jeune Balanchine de 20 ans a fait défection. Leur situation est connue de Diaghilev, qui les convoque à une audition et les engage tous. Un an plus tard, il fait de Balanchine son chorégraphe en chef, et c'est sous la direction de Diaghilev que Balanchine crée ses deux premiers chefs-d'œuvre, à savoir Apollo », en 1928 Fils prodigue », un an plus tard Le premier, avec sa ravissante partition de Stravinski et son étonnante nouvelle vision du néoclassicisme, est très certainement l’un des ballets incontournables du XXe siècle. Outre ses immenses mérites, Apollo » a une résonance particulière et profonde pour tous les amoureux de la danse, car il s'agit d'un hommage à la danse elle-même le nouveau-né Apollo choisit comme partenaire la muse de la danse, Terpsichore, plutôt que Calliope, muse de la poésie, ou Polyhymnia, muse du mime. En 1967, Balanchine accepte que Rudolf Noureev interprète Apollon », un rôle qui lui sied parfaitement. Un an après le ballet néoclassique nommé Apollo », Diaghilev meurt soudainement, et ses associés sont dispersés dans le monde de la danse dans une diaspora malheureuse. Balanchine tombe malade de la tuberculose et passe des mois en cure dans les Alpes françaises. Il ne lui reste plus qu'un seul poumon en état de marche et le sentiment de vivre sur un temps emprunté. Il a dit un jour à un collègue "Vous savez, je suis vraiment un homme mort." Il était également sans emploi. Pendant trois ans, il a erré de Paris à Londres, de Copenhague à Monte-Carlo, créant des ballets au fur et à mesure des occasions qui se présentaient. Dès lors, le répertoire de Balanchine continue de s’étoffer progressivement et les visites régulières de Sadler's Wells avec Margot Fonteyn ainsi que les Classiques, contribuent à asseoir les fondements du ballet artistique, avec une esthétique soignée comme Balanchine savait si bien le faire. C'est en contemplant les spectacles de cet artiste de renom, que beaucoup ont appris à analyser et à apprécier la danse. Un art qui mettait l'accent sur la vélocité et l'énergie d'une part, la clarté, la retenue et la stricte obéissance aux ordonnances classiques d'autre part. De très jeunes danseuses arrivaient et montaient lentement les échelons pour atteindre des sommets, à moins qu’elles soient aussi douées et charismatiques que l’étaient Allegra Kent ou Suzanne Farell. 2 Le partenariat entre Kirstein et Balanchine Lorsque Kirstein s'est approché de lui à l'improviste, cela a dû sembler à la fois une bouée de sauvetage et un fantasme devenu réalité. Et les deux hommes formaient un couple très étrange ; même 50 ans plus tard, ils n'étaient pas vraiment à l'aise l'un avec l'autre – d’un côté Kirstein, physiquement massif, tout en force, en éruption psychique et émotionnelle, son esprit courant dans une centaine de directions différentes ; d’un autre côté, Balanchine, était svelte, élégant, réservé, harmonieux. Mais chacun d'eux a dû sentir dans l'autre la seule voie possible afin d’atteindre leurs objectifs respectifs, et pour le reste de leur vie, ils se sont accommodés les uns aux autres de manière loyale et profitable. Bien sûr, lorsque Kirstein avait coincé Balanchine dans cette cuisine, il n'y avait pas d'institution en place pour que ce dernier puisse venir, mais Kirstein reconnaissait rarement des obstacles aussi mineurs ; il exploita les ressources financières de certains de ses amis fortunés, et la première collaboration Balanchine-Kirstein, la School of American Ballet », naquit sur Madison Avenue et la 59e rue dans un studio ayant appartenu à Isadora Duncan. Comme Kirstein l'avait envisagé, Balanchine arriva, commença à former des danseurs selon ses spécifications, et en juin 1934, il avait créé son premier chef-d'œuvre américain, Serenade » une déclaration profondément émouvante d'un puissant amour romantique. Les douze années qui suivirent allaient s’avérer convaincantes en ce qui concerne les directions artistiques que chacun souhaitait emprunter. Jusqu'à l'entrée de l'Amérique dans la Seconde Guerre mondiale. Kirstein a continué à créer de petites troupes de danse pour Balanchine, dont la dernière en date, l'American Ballet Caravan », naquit lorsqu'il a convaincu son ami Nelson Rockefeller, alors au Département d'État, d'envoyer une troupe en Amérique du Sud pour une tournée culturelle de bonne volonté. À cette époque, Balanchine avait formé sa première ballerine américaine importante, une classique d'une force phénoménale nommée Marie-Jeanne, qui lui inspira rapidement deux de ses plus grandes œuvres le Concerto Barocco néoclassique », de Bach, et le Ballet Impérial » plus traditionnel rebaptisé plus tard Concerto pour piano n° 2 de Tchaïkovski. 3 Balanchine créé des spectacles pour Broadway Il se remet ensuite à chorégraphier des comédies musicales de Broadway quatre spectacles de Rodgers and Hart » avant la guerre On Your Toes », pour sa première femme, Tamara Geva ; Babes in Arms » ; I Married an Angel », pour sa femme n° 3, Vera Zorina ; et The Boys from Syracuse-et Cabin in the Sky » et d'autres pendant et après et travaille sporadiquement avec la dernière incarnation du Ballet Russe. Dans les années 30, Balanchine était allé à Hollywood pour les numéros de Zorina dans The Goldwyn Follies » et On Your Toes », et, avec Kirstein, il avait échoué dans sa tentative de doter le Metropolitan Opera d'une sérieuse compagnie de danse résidente. En d'autres termes, il avait été partout et nulle part - rarement en mesure de monter de nouveaux ballets. Plus de quinze ans après la mort de Diaghilev, il était toujours un homme sans compagnie. De la fin 1941 à 1945, la guerre a tout interrompu, et Balanchine n'a pas été très productif durant cette période. Comme on l’image, cette époque a été extrêmement éprouvante à vivre, notamment pour lui, source intarissable de créativité, mais comme à son habitude, il a su faire preuve de patience. Une caractéristique fondamentale, que lui et Kirstein partageaient, c'était la vision à long terme. Et puis, soudain, les choses ont évolué. Pour le Ballet Théâtre créé peu de temps auparavant qui devint ensuite l'ABT, il chorégraphie Thème et Variations », destiné au Ballet de l'Opéra national de Paris, une Symphonie en Do appelée Le Palais de Cristal » ; Pour le Ballet Russe, La Sonnambula épouse n°2, Danilova ; et, plus important encore, pour une nouvelle compagnie de Kirstein, Les Quatre tempéraments et Orphée ». La nouvelle compagnie s'appelait Ballet Society », ses représentations sporadiques ne pouvaient être vues que sur abonnement, et elle n'avait pas de théâtre permanent – Les Quatre tempéraments », l'œuvre la plus "moderne" de Balanchine à ce jour, a eu sa première en 1946 sur la scène connue pour être étroite, et donc peu adaptée à ce type de spectacle, de la Central High School of Needle Trades » de Manhattan. Au printemps 1948, la Ballet Society » se produisait au New York City Center, un ancien temple des Shriners situé sur la 55e rue ouest, que la ville avait repris en lieu et place de taxes impayées. Le responsable, Morton Baum, a été tellement bouleversé par Orphée », la nouvelle collaboration Stravinsky-Balanchine-Noguchi, qu'il a invité la compagnie à changer de nom et à faire du City Center son siège officiel. 4 La Ballet Society devient officiellement le New York City Ballet » En 1948, est officiellement créé le New York City Ballet », anciennement appelé Ballet Society », dans le cadre d'un partenariat avec Monsieur Lincoln Kirstein, riche diplômé de Harvard, et un exilé Russe sans domicile fixe nommé George Balanchine, et c’est ce qui a transformé New York, une ville déjà reconnue mondialement dans de nombreux domaines, en la capitale mondiale de la danse. Lorsque le New York City Ballet », nouvellement baptisé, est revenu au théâtre en octobre, il s'agissait simplement de la Ballet Society » avec un nouveau nom et une adresse permanente. Pourtant, le temps allait montrer que le nouveau nom et la résidence garantie étaient cruciaux. Dès le début de son aventure américaine, l'ambition de Balanchine avait été de développer le ballet classique ici, et New York dans les années 30 et 40 était le cœur de son Amérique. Le dynamisme de la ville était d’une part, en parfaite adéquation avec sa conception du ballet américain, et d’autre part, un stimulant pour elle. Tout aussi crucial, c'est le public new-yorkais qu'il devait savoir éduquer à sa vision artistique, et réussir à convaincre afin que ses idées l'emportent. Après 15 ans passés dans ce pays, il était prêt à devenir le New York City Ballet » ; c'était le bon nom au bon moment. Et quant au fait d'avoir un vrai chez-soi au bout de 24 ans après avoir quitté la Russie, il lui a offert ce qu'il n'avait jamais eu auparavant la stabilité. À partir de 1948, toutes les œuvres importantes de Balanchine ont été réalisées pour le NYC Ballet ». À l'âge de 44 ans, il peut commencer à sérieusement consolider les fondations de l’œuvre la plus magistrale de sa vie. De 1952 à 1954 la compagnie avait atteint un de ses points culminants, puis, après la maladie de LeClercq, elle sombra pendant un temps - soulagée par l'arrivée d'une sublime ballerine française, Violette Verdy, l’étoile française du New York City Ballet qui non seulement a renforcé considérablement les rangs de la compagnie mais a fourni à Balanchine l'opportunité de jouer des rôles qui exigeaient son élégance gauloise et sa musicalité suprême. À l'exception de Karin von Aroldingen, Violette Verdy, danseuse étoile d’exception, jugée par beaucoup comme étant une des meilleures danseuses, si ce n'est la meilleure danseuse, du NYC Ballet, reste la seule ballerine européenne à être devenue un élément essentiel du City Ballet, contrairement à l'impressionnante série de danseurs masculins de premier plan qui ont été importés de la tradition danoise Erik Bruhn, Helgi Tomasson, Adam Lüders, Ib Anderson, Nikolaj Hübbe et Peter Martins lui-même. Verdy et Melissa Hayden - une dynamo de confiance et d'affirmation, et un énorme succès auprès du public - ont présenté le répertoire, ainsi que la première étoile masculine américaine de Balanchine, le jeune Jacques d'Amboise né Joseph Jacques Ahearn, charmant et techniquement parfait, dont la virtuosité impressionnait, devint partenaire et mentor de jeunes danseurs. Ce dernier a joué un rôle central dans la compagnie pendant plus de trois décennies. II Le triomphe de la plus grande compagnie de danse américaine au monde Nous avons pu voir les magnifiques compositions artistiques que Balanchine a inventées avant la création du New York City Ballet. Nous allons donc découvrir maintenant les créations de en tant que directeur créatif du Nyc Ballet. Voici les œuvres majeures que ce Maître de Ballet extrêmement talentueux a réalisées. 1 La domination du Ballet Russe cède peu à peu sa place au Ballet Américain En Mars 1877, la création du ballet du Bolchoï, nommé le Lac des cygnes, un chef d’œuvre du répertoire classique, aux extraordinaires costumes en dentelle. À l'image de l'exquis et renommé "Lac des cygnes", et afin de découvrir de somptueuses créations en dentelle, guipure, broderie, et jabots à festons, découvrez un univers romantique et délicats entièrement dédié à la passementerie ornementale, en visitant la boutique Élégante Dentelle. Initialement inventé par Julius Reisinger au sein du Théâtre Bolchoï à Moscou, il est agrémenté par la musique du célèbre Tchaïkovski, et a connu depuis un succès mondial retentissant, notamment grâce à certains splendides passages en pas de deux. Dans les années 1940, c'est encore le ballet Russe qui a fait connaître la danse classique à la plupart des publics américains, notamment les œuvres de Mikhail Fokine Les Sylphides, Petrouchka, Spectre de la Rose, Firebird Puis celles de Léonide Massine Gaîté Parisienne, Boutique Fantasque. Il s’agissait bien entendu en grande majorité de danseurs russes. Après tout, ce sont les légendes de Nijinski et de Pavlova qui ont attiré pour la première fois les Américains du XXe siècle vers ce magnifique art qu’est le ballet. Le Ballet Russe avait sillonné le pays avec des stars telles que Danilova et les célèbres "bébés ballerines" que Balanchine avait découvertes au début des années 1930 Baronova, Toumanova et Riabouchinska - elles avaient alors 12, 13 et 14 ans. Et le Ballet Théâtre a mis en vedette Alicia Markova née Marks à consonance russe ainsi que les bébés ballerines adultes, la Cubaine Alicia Alonso, et un assortiment de jeunes hommes russes. 2 L’Ère de la Compagnie de Danse US de Balanchine En revanche, la compagnie de Balanchine, à l'exception du virtuose André Eglevsky, était dès le départ résolument américaine, et ce de manière délibérée. Il voulait des danseurs américains, qui se produisent dans un style qu'il jugeait approprié au physique et à l'énergie des Américains. Il faudra de nombreuses années avant que la majorité du public new-yorkais n'accepte l’idée que ces danseurs US, ainsi que leur répertoire, soient au niveau de ce que l'Europe avait pu présenter, et produire jusqu’alors. Mais Balanchine, malgré son talent mondialement reconnu, possédait également ses détracteurs, en l’occurrence le critique du New York Times, John Martin, qui a constamment condamné les ballets de comme étant froids et sans intrigue. Le City Ballet était considéré comme un spectacle au style singulier et dédié à une catégorie spécifique de spectateurs. Mais en 1949, deux événements se sont produits, et ont provoqué un changement radical Le premier est l'arrivée en Amérique du Sadler's Wells », aujourd'hui nommé Royal Ballet d'Angleterre », - et en particulier le triomphe personnel de Margot Fonteyn, dans La Belle au bois dormant », le chef-d'œuvre du classicisme créé en 1890 par Piotr Ilitch Tchaïkovski et Marius Petipa, le maître de ballet franco-russe, interprète émérite de la Bayadère », et qui fut l'une des sources principales d’inspirations de Balanchine au cours de sa vie. L'autre était le premier véritable succès du City Ballet, la reprise par Balanchine de l'Oiseau de feu » collaboration entre Stravinsky et Fokine, avec lequel Diaghilev et ses Ballets russes avaient fait fureur à Paris en 1910. En acquérant les sublimes décors de Chagall, datant de la fin de la Seconde Guerre mondiale, auprès de l'impresario Sol Hurok, Balanchine a accéléré le rythme, libéré sa créativité, et, chose primordiale, a créé une véritable œuvre magistrale, qui a ravi les critiques et le public. 3 Firebird » et Casse-Noisette » deux ballets au succès fulgurant C'est sa quatrième femme, Maria Tallchief, avec son style vestimentaire original et son passé exotique d'amérindienne, ses gestes techniques hors pair et sa superbe musicalité, qui a porté le ballet, faisant de Firebird » un triomphe au box-office, ce qui est remarquable étant donné, le contexte, et les conditions difficiles de cette époque. Avec Firebird, le New York City Ballet » a franchi un cap, et entre ce succès et celui des compagnies de danses anglaises, New York se trouvait alors dans un élan irrésistible pour le domaine de la danse. Puis, en 1954, est arrivé le spectacle de Casse-noisette », qui depuis plus de 40 ans reçoit un succès phénoménal, pendant des semaines, et ce à chaque Noël. Il a coûté 80 000 dollars - deux fois plus que ce qui était prévu initialement - mais l'argent a été trouvé. Et Balanchine a obtenu des effets visuels saisissants tel qu’un arbre majestueux qui pousse comme par magie de plus en plus haut jusqu'à dominer complètement la scène, tandis que la joyeuse fête de Noël du premier acte se transforme en un monde mystérieux. Des effets scéniques comme celui-ci, dont il se souvenait de son enfance au Théâtre Maryinsky de Saint Pétersbourg - où il avait lui-même dansé le petit prince Casse-Noisette - étaient essentiels à la vision de Balanchine. Ce dernier avait fait part du fait qu'il ne mettrait pas en scène la Belle au bois dormant », initialement présenté au Théâtre Mariinsky de Saint-Petersbourg, parce que le Théâtre d'État ne pouvait pas accueillir les effets spéciaux qu'il pensait indispensables. Dès le début des années 1950, il disait à Richard Buckle, critique de ballet anglais, et futur biographe, "Ces théâtres ne sont tout simplement pas prévus pour accueillir les très grands spectacles, possédant d’importants effets visuels, nécessitant de l’espace et un matériel adapté. Balanchine disait En Russie, nous avions l'habitude d'avoir tout un régiment couché sous une toile peinte pour faire déferler la mer par vagues". 4 Balanchine du classique à la danse country américaine Il a chorégraphié non seulement pour Charles Ives mais aussi pour des chansons folkloriques américaines Western Symphony » 1954 Marche Patriotique de John Philip Sousa Stars and Stripes Forever » 1958 et Gershwin Who Cares ? » plus tard en 1970. Des accents de jazz ont ponctué son travail, d'Apollo » à Concerto Barocco » et "Rubies". On peut voir sur les films, et il est confirmé par des danseurs comme Marie-Jeanne, que Barocco, par exemple, était interprété de façon beaucoup plus jazzy il y a 50 ans qu'aujourd'hui. Il a fait appel à un danseur classique de quadrille pour la version originale de Square Dance, et un grand projet non réalisé a été The Birds of America, d'après Audubon. Chorégraphier pour Broadway n'était pas seulement un moyen de gagner sa vie ; il aimait le show-business américain - "Rodgers and Hart sont de grands poètes" - et en a tiré des leçons "À Broadway, j'ai appris à plaire au public. Je suis commercial". Il a travaillé non seulement à Broadway, mais aussi pour les Ringling Bros., et le cirque Barnum & Bailey. En 1941, il a téléphoné à Stravinsky en Californie et lui a demandé d'écrire la musique d'un ballet avec des éléphants. "Quel âge ?" demanda Stravinsky. "Très jeune." "Très bien", dit Stravinsky. "Si ce sont de très jeunes éléphants, je vais le faire." Le Cirque Polka n'a duré qu'une seule saison pour les Ringling Bros. ; les éléphants 🐘 ne semblaient pas l'apprécier. Il est possible qu'ils n'aient pas aimé le tutu bleu pâle dont Balanchine, en tant que directeur du ballet, les avait habillés. Balanchine n'admirait pas seulement Astaire. Il ne tarissait pas d’éloges à son sujet "Le danseur masculin que j'aime regarder est un Américain Fred Astaire. C'est le danseur le plus intéressant, le plus inventif, le plus élégant de notre temps". Dans une interview, il a admis que même s'il n'était pas nerveux de rencontrer Stravinsky pour la première fois, "j'étais nerveux quand j'ai rencontré Ginger Rogers". Il aimait le fait que Tallchief était un Amérindien, et qu'il portait jusqu'à sa mort un bracelet turquoise que sa cousine lui avait offert. Il portait aussi des chemises de western et regardait des westerns et les Untouchables à la télévision. Mais il aimait par-dessus tout la façon dont les Américains dansaient "L'Amérique a son propre esprit - froid, lumineux, dur comme la lumière. Les bons danseurs américains peuvent exprimer une émotion propre d'une manière que l'on pourrait presque qualifier d'angélique". Fièrement, il est devenu citoyen américain. À l’image de Balanchine, montrez votre attrait pour les États-Unis avec ces chemises cowboys de danse country 5 La School of American Ballet » l’école de Danse du NYCB Mais d'abord une école ». L'histoire raconte que lorsque, en 1933, Lincoln Kirstein a demandé à Balanchine de venir en Amérique pour créer une compagnie de ballet, Balanchine a répondu "Mais d'abord une école." En d'autres termes, avant de pouvoir créer de magnifiques spectacles de danse, il fallait avoir de bons danseurs capables de les interpréter correctement, en ayant suivis des cours de danse par des experts. Et pour avoir de bons danseurs il fallait maitriser la chaîne du début à la fin, en ayant un conservatoire de danse où Balanchine saurait montrer ses talents de professeur de danse, et ainsi jouer à merveille son rôle de directeur artistique. Quand il dit "Je voulais venir en Amérique pour créer une compagnie américaine", il dit aussi qu'il devait créer des danseurs américains comme il pensait qu'ils pourraient un jour l'être - non pas en imitant les Soviétiques, mais avec un style qui insistait sur la vitesse, l'agilité, l'attaque et, surtout, l'énergie. Souvenez-vous il appelait son école "School of American Ballet", bien que lui et presque tous ses collègues professeurs étaient russes et qu'il n'y avait pas de véritable ballet américain. Dès le début, il voulait de jeunes Américains frais dans ses classes, et il était prêt à attendre qu'ils se développent. Ce n'est qu'à la fin des années 50, voire dans les années 60, qu'il a pu compter sur la présence de danseurs de premier ordre de l'école dans les rangs de la compagnie. Les ballerines comme Diana Adams, Melissa Hayden, Nora Kaye et Janet Reed étaient des importations. Le académie de danse réputée, comme le City Ballet lui-même, sont maintenant dirigés par Peter Martins, qui fût autrefois un premier danseur talentueux, et, année après année, des danseurs superbement formés en sortent non seulement pour se rendre au mais aussi dans des compagnies de ballet de tout le pays. Même la mort récente de Stanley William - le grand professeur Danois qui était un mentor particulièrement important pour les garçons - a été prise de court. L'école est le lieu où la continuité est assurée, où ce que danseur et chorégraphe, voulait enseigner et transmettre aux jeunes était perpétué dans la plus pure tradition. Maintenant que nous pouvons commencer à évaluer l'ensemble de l'entreprise Américaine de Balanchine d'un point de vue historique, il semble de plus en plus probable que l'école - ou plutôt la scolarité de ce dernier - sera son héritage le plus durable et le plus significatif. Le City Ballet s'épanouira ou non. Le répertoire de - du moins une partie considérable de celui-ci - devrait survivre jusqu'au siècle prochain ; il est dansé, avec plus ou moins de succès, non seulement partout en Amérique mais aussi dans le monde entier. Mais Balanchine n'y comptait pas "Bien sûr, la danse d'aujourd'hui ne durera pas, elle n'a jamais duré avant". Mais à moins d'une catastrophe, il semble qu'il n'y ait aucune raison pour que la School of American Ballet ne continue à affirmer ses normes dans le domaine de l’enseignement de la danse, tant que le ballet continuera d'être important en Amérique. Et Balanchine l'a compris dès le début. Non seulement "D'abord une école ... " , mais, de manière décisive "Je suis un professeur, c'est ma contribution." 6 Le NYC Ballet enchaîne les représentations dansantes à succès Grâce au succès phénoménal et annuel de Casse-Noisette, le New York City Ballet a trouvé une bonne partie de sa future audience parmi les très nombreux enfants dont c'était le premier spectacle dansant. En 1957 est arrivé Agon », la plus grande des collaborations, après Apollo », entre Stravinsky et Balanchine, un des plus grands maîtres de ballet du XXe siècle Firebird », l’oiseau de feu, fut l’un des chefs d'œuvres les plus réussies de Diaghilev, Casse-Noisette », un classique du XIXe siècle réinventé et mis à jour. Agon » semblait revisiter le spectacle dansant dans un registre encore jamais exploré alors. Il a porté les pas de danse classique à un niveau nouveau, et a en outre défrayé la chronique par l'association de la splendide et pâle Diana Adams, et de Arthur Mitchell, le beau danseur classique noir qui allait fonder le Dance Theatre of Harlem ». Le public et la critique ont été surpris par les innovations de cette démarche audacieuse pour l’époque, et le casting inhabituel des danseurs du ballet qui interpella les spectateurs par son audace, en cette année 1957. Contrairement à certaines œuvres d'art révolutionnaires, Agon » a connu un succès immédiat. Le critique de danse Edwin Denby écrit à propos de l'impact énorme sur le public de la soirée d'ouverture Le balcon s'est levé en criant et en sifflant lorsque le chorégraphe a pris son arc. En bas, les gens sont sortis dans le hall, les yeux brillants comme si la pièce avait été du champagne ». C'est Agon » qui a donné l’opportunité à de nombreux grands danseurs de réaliser que Balanchine était en effet un maître à nul autre pareil, et qu’il pouvait s’illustrer à la perfection dans tous les registres de la danse. Cela semblait être l’apogée de sa créativité florissante en tant que chorégraphe de renom – à l’exception près qu’il y avait encore 25 années d’arts chorégraphiques à venir. Sept années passèrent depuis la création du spectacle Agon », et un autre succès vient poindre à l’horizon. Kirstein avait joué un rôle déterminant – avec son vieil ami Nelson Rockefeller – dans la création du Lincoln Center for the Performing Arts », et un rouage crucial de ce projet était le New York State Theater », conçu par Philip Johnson selon les spécifications de Balanchine, en tant que directeur de la danse. Au début, le théâtre, ce centre chorégraphique d’exception, semblait froid et surfait, loin de l’atmosphère modeste et chaleureuse du centre-ville. Par la suite, ses avantages sont vite devenus évidents. Il y avait de la place pour les danseurs classiques dans les coulisses ; dans l’ancien théâtre, ils s’étaient pratiquement écrasés contre les murs en sautant hors de la scène. Et la nouvelle scène était vraiment grande – si grande que beaucoup d’anciens ballets ont dû être adaptés en conséquence. L’époque était révolue où, dans le final de la Symphonie en do, tous les danseurs ne pouvaient pas être entassés sur la scène et s’envoler ensuite dans les coulisses. 7 Le Théâtre d’État décuple les possibilités de création de Balanchine Le Théâtre d’État a rendu réalisables, les chefs d’œuvres impressionnants des années 60 et 70, comme Joyaux, Don Quichotte, Union Jack, Valse de Vienne. Et dans son hall de promenade à l’étage, il a offert aux spectateurs un espace public extrêmement vaste, probablement un des plus grands de tous les théâtres de New York, et peut-être même du monde. Avec son immense espace ouvert, les audacieuses statues blanches géantes d’Elie Nadelman à chaque extrémité, et le balcon qui prolonge la promenade sur la place, le State Theater » est devenu un vaste lieu d’échange et de partage, pour les danseurs de ballet et les opérateurs de New York – son espace, sinon son décor, est véritablement majestueux. Balanchine a créé une série d’œuvres majeures pendant les années du Lincoln Center, mais le plus grand succès de tous est venu de Jerome Robbins » en 1969- Dances at a Gathering ». Cette œuvre remarquable – d’une durée d’une heure et comprenant une série de solos, de duos, de trios et de pièces d’ensemble interprétées par cinq hommes et cinq femmes sur de la musique pour piano de Chopin – a non seulement connu un succès fulgurant mais s’est avérée être une réussite récurrente pour le répertoire. Ce fut également un triomphe personnel pour Robbins, qui revenait de sa formidable carrière à Broadway The King and I », West Side Story », Fiddler on the Roof » Robbins effectuait un retour au ballet classique non pas comme un fils prodigue, rôle dans lequel il avait excellé en l’interprétant pour Balanchine au début des années 50, mais cette fois comme un véritable partenaire. Quelques années auparavant, Robbins s’était illustré au Ballet Theatre avec Fancy Free », un récit joyeux et explosif de trois marins en permission à New York en période de guerre. Puis il avait élargi son registre à la comédie musicale avec On the Town », et plus tard il avait rejoint le City Ballet », où il a produit une série de succès qui ont duré dans le temps Afternoon of a Faun, The Concert, et The Cage. Ce dernier étant un drame poignant dans lequel une reine insecte s’avère bien plus mortelle que le mâle. Robbins était extrêmement exigeants envers ses collaborateurs, et ses méthodes étaient connues pour être éprouvantes, contrairement aux adaptations faciles de Balanchine aux forces et faiblesses d’un interprète – mais ses ballets complétaient avec bonheur ceux de Balanchine, de style néo-classique ou néoclassique », les deux orthographes sont admises, donnant au City Ballet l’incroyable privilège d’avoir deux illustres chorégraphes de renom en résidence. Robbins a continué à faire des danses pour le City Ballet jusqu’à sa mort. 8 Le Festival Stravinsky Balanchine honore le maître musical qu’il admirait Enfin, en 1972, le Festival Stravinsky a eu lieu, pour marquer le premier anniversaire de la mort du compositeur et ce qui aurait été son 90e anniversaire. Stravinsky fut sans aucun doute la principale influence musicale sur Balanchine, l’homme qu’il admirait le plus et qu’il souhaitait le plus satisfaire. M. Stravinsky me procure des moments merveilleux, et j’aime y nager ... Il était comme Einstein, personne ne sera plus jamais comme lui. » Pour célébrer le Maître, il décida donc de lui consacrer un festival d’une semaine, présentant non seulement les anciens ballets mais aussi une série de nouvelles pièces, de sa conception. D’autres illustres chorégraphes résidents participaient également à la fête tels que Robbins, son associé de longue date, et John Taras un autre grand danseur de qualité. Ignorant à l’époque le coût supplémentaire que cela engendrer 130 000 dollars, il a fermé le théâtre pour une semaine de répétitions – il n’y avait pas d’autre moyen de préparer une trentaine de ballets en si peu de temps. Kirstein a comparé la période de répétition à un débarquement miniature en Normandie ». L’effet sur le répertoire et la réputation de Balanchine a été permanent. S’il y a un événement qui l’a canonisé comme le plus grand chorégraphe du siècle, un artiste d’une portée et d’une maîtrise tout à fait extraordinaires, c’est bien le Festival Stravinski. Plus tard, Richard Poirier écrira dans The Atlantic Monthly Dans l’histoire du ballet, Balanchine au State Theater de New York est l’équivalent de Shakespeare au Globe de Londres ». Je soupçonne que même dans son esprit, ce fut l’événement le plus marquant d’une vie artistique. Depuis 1972, il y a eu de nouveaux ballets, de nouveaux festivals, de nouveaux succès, mais pas d’autres succès fulgurants. Peut-être n’étaient-ils plus nécessaires. La compagnie était déjà fermement établie au sommet de la vie culturelle américaine et était admirée dans le monde entier. Il avait fallu attendre 25 ans pour atteindre ce niveau d’exception. D’une façon plus générale, depuis 1970 la ville de New York a su également s’adapter et proposer également des spectacles de danses contemporaines. De plus, bien après, de nombreux danseurs d’exceptions ont vu le jour, comme la soliste Sara Adams, et jonathan Stafford, le danseur étoile qui est actuellement directeur artistique au New York City Ballet, et à la School of American Ballet. Le New York City Ballet a marqué de son empreinte inimitable, l’Opéra Bastille de Paris avec un répertoire varié et des spectacles à couper le souffle. De même, plus tard, le Palais Garnier a reçu à de nombreuses reprises des représentations du New York City Ballet, pour une représentation hommage notamment, appelée Jewels », en 2017. Né en 1977, Benjamin Millepied est le deuxième, après Violette Verdy, à faire honneur à la danse française et à s’être illustré en devenant danseur étoile au sein du NYC Ballet. Titre honorifique récompensant les meilleurs danseurs. Récemment une artiste nommée Indiana Woodward qui a rejoint le New York City Ballet en 2012, et qui a été promue en 2017, comme une des meilleures solistes de sa génération III La prestigieuse compagnie US de spectacles de danse face aux turpitudes Enfin, voici les difficultés que Balanchine a subi au cours de sa vie. Puis, les épreuves auxquelles la compagnie de danse US a dû faire face, et qu’elle a su surmonter en s’adaptant et en intégrant de nouveaux éléments talentueux. 1 Balanchine une Vie Jonchée d’Embûches Pour les proches du New York City Ballet », l'histoire de la compagnie est une longue saga familiale. Une grande partie du drame est venue de l'observation de danseurs individuels se développant sous la direction de Balanchine, résultat de son incroyable capacité à cultiver le talent jusqu'à sa réalisation, sauf bien sûr, lorsque la nature humaine - ou une calamité - s'y oppose. Ce sont ces éruptions de calamité et de nature humaine rampante qui ont fourni l'autre type de drame, qui allait des commérages à la tragédie. Et parce que la famille de Balanchine est devenue notre famille au fil des ans, ces événements ont affecté également son public de fervents admirateurs. Les débuts de la vie de Balanchine ont été marqués par d’innombrables difficultés. Il n'a pas été facile de l'installer à l'école de ballet du Théâtre Impérial à l'âge de 9 ans - et, en réalité, il s'est enfui de l'école peu après son arrivée. Il n'était là que par accident, en tout cas il était destiné à une carrière dans la marine, mais sa mère l'a emmené par hasard tandis que sa sœur auditionnait et on lui a demandé de passer une audition également. Il avait été confronté à une quasi famine dans la période post-révolutionnaire de Petrograd et à une tuberculose quasi mortelle. Et il était émotionnellement vulnérable - quand en 1945 sa troisième femme, la belle Vera Zorina, l'a quitté, il était désemparé ; un ami de cette époque se souvient de lui en pleurs incontrôlables, jour après jour. 2 les drames et scandales du New York City Ballet Mais ces mauvaises expériences de la vie étaient derrière lui au moment où le New York City Ballet » a vu le jour. Ses premières années manquaient de stabilité financière, mais ce fut une période d'expansion, d'excitation et d'épanouissement. Le désastre frappe lorsqu’en 1956 sa dernière femme - la jeune, belle et pleine d'esprit ballerine Tanaquil LeClercq - a contracté la polio alors que la compagnie se produisait à Copenhague, et elle devait rester paralysée jusqu'à la taille. Le fait qu'une personne si exceptionnellement douée et charmante soit si affligée était déjà assez terrible ; Qu'elle soit la femme de Balanchine, une danseuse centrale du répertoire et sur laquelle il avait créé de nombreux rôles importants, le plus célèbre étant celui de la fille condamnée qui danse avec la Mort dans La Valse, fut un coup dévastateur pour toute l'entreprise et pour ses adeptes. Balanchine est resté avec sa femme au Danemark jusqu'à ce qu'elle soit assez bien pour être ramenée à la maison, et s’est éloigné du monde dans la danse pendant un année entière - une période de deuil et d'incertitude pour tout le monde. Il se sentait irrationnellement coupable parce que lorsque "Tanny" avait 15 ans, il l'avait représentée dans un court ballet pour une soirée de charité de la Marche des dix sous, dans lequel une sinistre silhouette en noir s'était présentée et l'avait frappée de polio, préfigurant son destin personnel. Le violoniste Nathan Milstein, qui voyait fréquemment les Balanchines pendant cette triste période, le décrivait comme ayant été "mari, père, médecin, nourrice" pour sa femme affligée par la maladie. L'histoire de LeClercq ne peut être considérée que comme une tragédie, mais l'histoire de chaque ballerine est une sorte de drame, ne serait-ce que parce que, tôt ou tard, la danse doit s'arrêter - généralement bien avant que la volonté de danser ne disparaisse. Le drame qui affectait Balanchine et ses ballerines était particulièrement fort, parce que les relations entre eux étaient généralement très intenses émotionnellement, impliquant l'art, la collaboration, la carrière et, parfois, l'amour et le mariage. On peut considérer toute sa vie et son art comme une recherche de la femme idéale, qui serait aussi, par définition, la danseuse idéale, c'est-à-dire la danseuse sur laquelle et avec laquelle il pourrait réaliser ses plus grandes ambitions créatives. 3 Balanchine ses liens affectifs avec ses balerines La première ballerine sur laquelle il a jeté son dévolu fut Tamara Toumanova, la gracieuse "baby ballerine" dont il avait fait la connaissance en 1931. Il avait voulu l'épouser, mais la célèbre Mama Toumanova décida que Tamara était bien trop jeune. Tout une série de danseuse finira par le rejeter, que ce soit sur le plan amoureux ou bien professionnel, parmi lesquelles Marie-Jeanne, Zorina, Diana Adams et Tallchief ; Chacune d’elles se mariera avec un autre homme et aura des enfants - ce que Balanchine se refusait à faire. Sa relation avec la jeune danseuse sur laquelle il s'est focalisé au milieu des années 50 était atypique, mais elle l'était également. La sublime, douée et fantasque Allegra Kent lui a inspiré la création ou la reprise d'une série de rôles dans lesquels elle restait l'objet innocent du désir - quelles que soient les passions qu'elle évoquait chez les autres, Kent elle-même en sortait toujours indemne. Sa carrière a été la plus étrange de toutes les ballerines de Balanchine. Elle était un instrument entre ses mains, elle résistait à son autorité ; elle avait un superbe physique, mais elle était légèrement en surpoids pour une danseuse de cette envergure. Elle a eu un enfant, avec son mari, le photographe Bert Stern, et est revenue pour danser ; un autre enfant, un autre retour ; un troisième enfant, un troisième retour. Pendant 30 ans, elle est venue et repartie, disposant d’un traitement de faveur auprès de Balanchine. Elle était la fille prodigue. Et pour son public, toujours la même question qui revenait avant chaque spectacle chorégraphique "Est-ce que Allegra fait partie des danseuses cette année ?". Mais ce que Balanchine souhaitait le plus, et n'avait jamais réussi à obtenir, était une muse qui danserait toujours. Elle devait arriver à la School of American Ballet » en 1960 - sans doute le profondément religieux Balanchine aurait-il dit qu'elle avait été envoyée par Dieu - et son art, sa personne et sa carrière allaient transformer et bouleverser le New York City Ballet ». Elle venait de Cincinnati et s'appelait Roberta Sue Ficker, bientôt remplacée par Suzanne Farrell. Diana Adams, en tournée dans le pays dans le cadre d'une recherche de talents financée par la Fondation Ford », l'avait découverte et lui avait proposé d'auditionner pour M. B. Bénéficiant d'une bourse complète à l'école, elle fut rapidement intégrée à la compagnie et très vite l'objet de l'intérêt de Balanchine. Elle était belle et talentueuse, mais elle avait aussi une profonde musicalité et une puissante intelligence de la danse. Dès le début, il était clair qu'elle était prête à tout essayer, à tout faire, à être tout ce dont il avait besoin. "S'il pensait que je pouvais faire quelque chose, je le croirais", a-t-elle écrit dans son autobiographie de 1990, "Holding on the Air", souvent à l'encontre de mon propre raisonnement. Je lui faisais confiance pour ne pas me laisser être une idiote, mais plutôt un outil, un instrument entre ses mains. En bref, je lui ai confié ma vie". Et encore "Offrir moins plutôt que plus n'était pas une possibilité pour moi, c'était la mort." Voilà enfin le danseur dont l'engagement était aussi passionné et total que le sien. Violette Verdy, la plus analytique des ballerines du City Ballet, a déclaré au sujet de Suzanne Farell Parfois, je reconnais le plus pur style de Balanchine quand je la regarde." En 1963, un nouveau ballet – les Mouvements pour piano et orchestre » - est répété par Adams et le danseur de ballet principal de la compagnie, Jacques d'Amboise, sur une nouvelle partition de Stravinsky. 4 l’ascension et la déchéance d’une danseuse d’exception Suzanne Farell Adams tombe enceinte et doit se retirer, et à la demande de d'Amboise, le rôle est confié à Farrell, qui n'a pas encore 18 ans et qui est toujours dans le corps de ballet. Adams et d'Amboise lui enseignent le rôle dans le salon d'Adams, sans musique, et quelques jours plus tard, Farrell passe l’audition, avec Balanchine et Stravinsky comme jury, lors d'une répétition pour laquelle elle est en retard à cause d'un examen d'algèbre à l'école ! Farrell triomphe dans Mouvements », et peu après Balanchine réalise son premier ballet spécialement pour elle – Méditation », un duo très émotionnel dans lequel un homme plus âgé d'Amboise encore évoque en mémoire une jeune femme qu'il a aimée. Une déclaration d'amour aussi explicite pour une telle nouvelle venue ne pouvait pas passer inaperçue, et bientôt ce que tout le monde soupçonnait se confirmait Balanchine avait complètement cédé aux pouvoirs de Farrell. S'il fallait d'autres preuves, ce serait deux ans plus tard avec son ballet en trois actes Don Quichotte ». Le vieux Don, à la fois confus et noble, est inspiré, soigné et séduit par sa servante Dulcinea, symbole de pureté et de sensualité. Lors de la première représentation, Balanchine lui-même incarna Don Quichotte, et il était évident qu'il ne dansait pas seulement avec Farrell mais bien pour Farell. C'était à la fois un couronnement, il l'appelait "princesse d'albâtre", et une déclaration. En dehors de la scène, l'expression des sentiments de Balanchine envers Farell était tout aussi limpide. Chaque soir, il se tenait dans les coulisses du théâtre pour la regarder, et lorsque le ballet dans lequel elle se produisait était terminé, il quittait le théâtre avec elle, ignorant les danses et les danseurs qui suivaient. Elle a joué tous les grands rôles, anciens et nouveaux, qu'elle pouvait espérer interpréter. Naturellement, sa position privilégiée suscitait du ressentiment, tant de la part des danseuses déjà établies que des autres jeunes ballerines qui espéraient attirer l'attention de M. B. Ainsi, la combinaison de la possessivité et de l'obsession de Balanchine conjuguées à la réserve naturelle de Farrell, isolaient cette dernière du reste de la compagnie. Plusieurs danseurs seniors sont partis, en exposant très clairement leurs raisons lorsque Patricia Neary a démissionné, Balanchine lui a dit "J'ai le droit d'aimer". "Tu devrais aimer les quatre-vingts d'entre nous" fut sa réponse. Maria Tallchief, pendant une douzaine d'années la prima ballerine non proclamée du City Ballet, a fait la célèbre remarque suivante "Cela ne me dérange pas d'être classée par ordre alphabétique, mais cela me dérange d'être traitée par ordre alphabétique". Balanchine est resté impassible. Non seulement Farrell était sa princesse d'albâtre, mais elle était aussi son "poisson-chat" - et pas n'importe quel chat ou n'importe quel poisson, a expliqué Farrell. Le chat était un guépard, pour la vitesse ; le poisson était un dauphin, pour l'intelligence. Après une représentation de Don Quichotte un soir, il dit à Richard Buckle "J'ai vu toutes les danseuses, et il n'y en a jamais eu une comme elle. Elle peut tout faire". Leur relation personnelle s'est intensifiée. Ils étaient constamment ensemble, avec l'approbation de la mère de Farrell qui, contrairement à Mama Toumanova, avait encouragé la relation dès le début. Mais la passion de Balanchine pour Farrell et son amour pour lui n'étaient apparemment pas consommés physiquement. Il était toujours marié à LeClercq, et Farrell était une catholique fervente. Mais il avait également 41 ans de plus qu'elle, malgré sa vitalité, et son charme, un homme d'un âge avancé. Peut-être avait-elle le sentiment d'être non seulement une princesse d'albâtre mais aussi une princesse emprisonnée ». Pour toutes sortes de raisons, son désir pour elle grandit et la résistance de Farell persista. De toutes les relations avec des femmes inaccessibles qu'il idéalisait et qu'il ne pouvait finalement pas obtenir, celle-ci était la plus représentative car tant de choses étaient en question sur un point de vue artistique, tragique parce que maintenant il devait se sentir rejeté comme un vieil homme. Avec ses danseuses, sur scène comme en dehors, n’avait qu’un seul but mener la danse. Farrell rationalise la situation de cette façon "Balanchine avait besoin de chorégraphier pour vivre, tout comme j'avais besoin de danser pour vivre. Aucun de nous n'avait besoin d'être marié pour vivre". Lorsqu'elle est tombée amoureuse d'un jeune danseur de la compagnie, Paul Mejia, et qu'elle l'a épousé, la situation est devenue intolérable. Balanchine, dans son angoisse, a enlevé des rôles à Mejia, et Farrell a soutenu son mari. Un soir, alors qu'on lui refusait un rôle qu'il avait déjà dansé, Farrell envoya un ultimatum à Balanchine si Paul ne dansait pas ce soir-là, ils démissionneraient tous les deux. Sa vision de sa relation avec était la suivante danseuse et chorégraphe, ni plus, ni moins. Balanchine a ignoré son avertissement, l'a également retirée du programme, et Farrell a quitté la compagnie. À tous les niveaux, ce fut un traumatisme profond - pour elle, pour Balanchine et pour le New York City Ballet dans son ensemble, qui, depuis une demi-douzaine d'années, avait été dominé par sa présence. C'était en 1969, et les années suivantes devaient être une période de désolation artistique et personnelle pour Balanchine. Les rangs des danseuses du NYC Ballet étaient clairsemés, les ballerines plus âgées étaient soit parties, soit n'étaient plus à leur apogée techniquement et physiquement parlant, et les plus jeunes n'étaient pas complètement aguerries. 5 Patricia Mcbride une danseuse de Ballet au style américain typique Pendant ces années, la compagnie a été soutenue dans une large mesure par une danseuse dont le style était aux antipodes de celui de Farrell, par son look et son tempérament, l’étonnante Patricia McBride, une grande danseuse et une représentation fidèle de la jeune fille traditionnelle et typiquement américaine. Elle était de petite taille, de faible corpulence, dynamique, et aussi indispensable à Robbins qu'à Balanchine. On lui avait confié le rôle central de femme dans Dances at a Gathering », qui, ironiquement, a été présenté en première le soir même où Farrell a quitté la compagnie. La première grande œuvre de Balanchine après le départ de Farrell – Who Cares ? », sur des chansons de Gershwin - a été présentée triomphalement à McBride. Elle avait quelques années auparavant formé une splendide équipe avec le tout aussi énergique et doué Edward Villella. Patty McBride, plus que toute autre ballerine dans l'histoire du New York City Ballet, avait l'art de séduire son audience - ils l'aimaient tout simplement, et pour de bonnes raisons. Sa nature heureuse et apparemment simple, révélée par sa danse claire mais expressive, était la solution idéale pour une troupe de danse traumatisée et un public déconcerté. L'autre ballerine extrêmement talentueuse qui a été repérée pendant cette rude période était Gelsey Kirkland, qui fût une première danseuse » de haute volée, dont l’innocence et la douceur apparente dissimulaient une technique hors pair. Lors d'une répétition de Coppélia », elle était second rôle, derrière McBride, tandis qu’elle était célèbre pour ses propres représentations de Coppélia avec le Ballet Russe. Peu après, elle allait partir danser avec Baryshnikov à l'American Ballet Theatre » et cela fut fatal pour sa carrière. Dans son autobiographie, Dancing on My Grave », elle rend responsable Balanchine pour une grande partie de ce qui lui est arrivé. 6 Balanchine focalise son attention sur de nouvelles danseuses Gelsey Kirkland fut très probablement la seule ballerine qui ait exprimé autre chose que de la crainte et de l'amour pour lui. Après que Farrell ait quitté le New York City Ballet, Balanchine a dû se focaliser sur les nouveaux arrivants, et les deux qu'il a choisi de mettre en avant Kay Mazzo et Karin von Aroldingen devaient s’investir pleinement dans leur nouveau rôle. En effet, avec cette danseuse de nationalité Allemande, Karin von Aroldingen, il allait vivre sa dernière relation significative sur le plan affectif. Il a joué des rôles exceptionnels pour les deux femmes, et aujourd'hui Mazzo est co-président avec Peter Martins du corps enseignant de l'école de l'American Ballet, tandis que von Aroldingen, qui a hérité des droits sur un certain nombre de ses œuvres, met en scène des ballets et aide à gérer le George Balanchine Trust. Cinq ans plus tard Balanchine retrouve un équilibre et Farrell reste en exil, et travaille majoritairement avec la société Maurice Béjart à Bruxelles. Les aficionados de Farrell découvrent le répertoire de Béjart où elle s’épanouie partiellement. En effet, son style était davantage destiné au registre créé par Balanchine. Au cours de l'été 1974, elle lui a écrit "Cher George, aussi merveilleux que ce soit de voir tes ballets, c'est encore plus merveilleux de les danser. Est-ce impossible ? Je t'aime, Suzi." En janvier 1975, elle, mais pas son mari, Paul, était de retour dans la célèbre compagnie de danse américaine. La relation personnelle n'a plus jamais été ce qu'elle était, mais le partenariat artistique a repris, et une fois de plus Balanchine faisait preuve de génie pour l’aider à réaliser le sien. Il a continué à le faire jusqu'à la fin, pour aboutir à son dernier chef-d'œuvre, Mozartiana », en 1981. Farrell écrira plus tard "C'est parce que ce ballet existait que j'ai pu survivre à la mort de l'homme qui l'a créé". Le retour de Farrell au City Ballet a tout changé, tout comme sa domination initiale sur ce ballet, et son départ l'a également fait. Elle dansait avec plus de profondeur et de beauté que jamais auparavant. Il est facile de supposer que l'exil et les difficultés l'ont fait mûrir, mais peut-être que c'est le fait d'être seule, sans Balanchine, qui l'a fait - ou peut-être qu'elle a simplement grandi, en tant que personne et en tant qu'artiste ; Après tout, elle n'avait que 23 ans lorsqu'elle a quitté la compagnie. A son retour, Farell dansa merveilleusement bien. Kirstein déclara, lors de l'une des premières représentations de retour de Farell "Cela signifie que les cinq prochaines années sont sûres. Mais c'est Delia Peters, l'une des dirigeantes de la compagnie, qui a eu le dernier mot sur l'histoire de Farrell "Le retour de Suzanne est la meilleure chose qui nous soit arrivée depuis qu'elle est partie." 7 Joseph Duell Danseur Émérite au Destin Tragique Si l'histoire de Farrell a eu une fin heureuse, l'histoire du jeune et prometteur artiste promu à une exceptionnelle carrière de danseur principal, Joseph Duell, à elle eu une fin tragique, la plus triste depuis la maladie de LeClercq. En 1986, ce dernier s'est jeté à la mort, nu, depuis la fenêtre de son appartement. Le retentissement fut dévastateur pour la compagnie, désormais dirigée par Peter Martins. Joe et son frère aîné, Daniel, étaient venus à l'école alors qu'ils étaient de jeunes garçons et avaient rapidement été choisis par Kirstein afin de devenir de futurs leaders potentiels au sein de la compagnie. En effet, ils se sont rapidement distingués comme des danseurs hors pair, et ils étaient parmi les rares membres du NYC Ballet à être rencontrés régulièrement lors des réceptions chez Kirstein. En dehors de la scène, Joe Duell était d'une politesse sans faille et très intelligent ; sur scène, il était beau, fiable, un excellent partenaire. Et dans les années 1980, il commençait à créer des spectacles dansants avec brio. Mais hélas, s’est ébruité à son sujet, une histoire d'instabilité. Son état psychique s'est progressivement dégradé et, et il fût admis dans un hôpital pour une importante dépression. La plupart des membres de la compagnie ignoraient à quel point il était devenu gravement atteint moralement. La majeure partie de l'amertume qui a suivi son décès est venue du fait que Joseph Duell qui était un excellent danseur, aurait pu être secouru si la gravité de sa situation avait été portée à l'attention de la direction. Au moment du suicide de Duell, l'adversité suprême avait déjà frappé La mort de Balanchine, même si elle ne surprit personne. Sa santé était mauvaise depuis de longues années - crise cardiaque, opération à cœur ouvert, graves problèmes oculaires et, sans doute le pire pour lui, une perte de vitalité et de capacité à exprimer clairement à ses danseurs ce qu'il attendait d'eux. 8 Les derniers jours de Balanchine au sein du NYCB Lorsque Mikhaïl Baryshnikov a rejoint la compagnie en 1978, par exemple, M. B. ne pouvait pas lui faire un ballet. Ils pouvaient échanger en russe, de l'école, et de la compagnie de Saint-Pétersbourg, dont ils étaient tous deux issus, mais il était trop tard pour qu'ils puissent collaborer ensemble. Bien que Balanchine se soit remis de son opération cardiaque, il est lentement devenu évident que sa mémoire et ses facultés physiques étaient défaillantes. Il fut hospitalisé, et un long et douloureux processus de détérioration s'installa. Ses danseurs et ses amis sont venus encore et encore s'asseoir à son chevet jusqu'à ce que, le 30 avril 1983, ce soit terminé. Après sa mort, sa maladie fut diagnostiquée comme un trouble neurologique rare, la maladie de Creutzfeldt-Jakob, mais ce dont il est réellement mort était hors de propos l'homme qui avait formé tant de générations de danseurs du City Ballet, leur avait fourni leur répertoire, les avait employés, les avait guidés - leur avait donné, en substance, leur vie - n'existait plus. Il ne s'était jamais intéressé à l'avenir ; le ballet n'existait pour lui qu'au moment où il était dansé Nous sommes maintenant dans cette période où les gens disent "Oh, mon Dieu, que se passera-t-il quand vous partirez ?" Mais tout le monde part... Ce ne serait pas bien dans cinquante ans de faire ce que nous faisons maintenant. Ce sera autre chose." Pourtant, cette approche philosophique n'est pas très réconfortante. Lors du majestueux service funèbre dans l'église orthodoxe russe où il a célébré, bondé de ses ex-femmes, de ses danseurs passés et présents, de ses collègues et admirateurs, il ne pouvait y avoir que peu de gens qui ne regardaient pas avec anxiété vers l'avenir. Ils ont compris à quel point un ballet artistique est fragile. Si la compagnie et son répertoire devaient se désintégrer, l'expérience artistique suprême de leur vie serait terminée. Qui se souciait, à ce moment-là, de ce que serait la situation dans 50 ans ? Suivez les Pas du Légendaire NYC Ballet ! À la fin comme au début, il y a Balanchine. Parmi les nombreuses grandes leçons qu'il nous a apprises, il y a celle que rien ne reste immobile ; la danse devrait changer, doit évoluer et changera, que cela nous plaise ou non. Et pourtant, les spectacles du New York City Ballet continuent au Théâtre d'État et dans le monde entier. Grâce aux témoignages de danseurs et danseuses classiques qui ont connu Balanchine, à ses propres dires, ou à ceux des dirigeants de la compagnie, vous avez maintenant une vision complète sur son œuvre. Vous avez pu constater que son histoire a été entachée de turpitudes temporaires, et qu’elle a su rester l’une des meilleures compagnies de danse au monde. Afin d’être dans les meilleures conditions possibles pour débuter, ou bien pour performer parfaitement, il vous faut des tenues et accessoires adéquats. En effet, afin de vous équiper en articles de danses, et suivre les pas du mythique ballet de New York, USA Légende vous suggère de vous rendre sur La Boutique Danse. Vous y trouverez les produits artistiques dont vous avez besoin, dans l’esprit du New York City Ballet Shop tutus de danse classique, en passant par les danses country western, chères à Balanchine, fervent admirateur de l’Amérique et de la culture américaine, et dont vous pouvez également retrouver certains articles US de danse sur notre propre store comme ce legging drapeau usa

GeorgeBalanchine : une étoile filante russe de Paris à New-York. George Balanchine et Suzanne Farrell, danseuse étoile du New York city Ballet, parée des plus belles pieces de Van Cleef and Arpels (2 à 3 milliards de dollars) pour le ballet "Joyaux" de Balanchine le 24 septembre 1976 à Paris. Un monument au chorégraphe George Balanchine

Lu/Vu Par DOMINIQUE PONCET L’AUTEUR Issu d’une troupe plus ancienne, le Ballet Society, le New York City Ballet est né en 1948, lors de son installation au New York City Center sous l’impulsion d’un riche mécène, Lincoln Kirstein, qui voulait offrir à Georges Balanchine, une troupe et un lieu pour qu’il puisse créer ses ballets. Chorégraphe hors norme, Balanchine, qui avait quitté sa Russie natale en 1924 et séjourné quelque temps à Londres et Paris, va très vite hisser cette nouvelle Compagnie, dont il a pris la direction artistique, au rang de l’une des meilleures de son pays d’adoption. Grâce à l’excellence de ses interprètes, triés sur le volet, tous tenants d’une danse classique à l’américaine, à la fois aérienne et techniquement irréprochable, mais surtout, grâce à ses chorégraphies qui révolutionnent le style classique. Pour lui, finie la narration dramatique, place, avant tout, à la musicalité. Il accélère aussi la vitesse d’exécution et ouvre » la gestuelle. Ses mouvements, qu’il sort de leur codification traditionnelle, s’épurent, gagnent en légèreté, en paraissent comme démultipliés. D’une fécondité artistique peu commune, Balanchine écrira » pour sa seule Compagnie près de 100 ballets. Tous des bijoux ! En 1983, à la mort de cet infatigable génie – qui avait été, en outre, un grand amoureux des femmes et l’ami de nombreux compositeurs de musique – deux danseurs étoiles vont assurer conjointement la direction de la Compagnie Jérôme Robbins et Peter Martins. Depuis 1989, ce dernier, d’origine danoise, assume seul la direction du NYCB » où il était entré comme danseur en 1967. C’est donc peu dire qu’il connaît la Maison » ! Depuis vingt-sept ans maintenant qu’il en tient les rênes, il ne cesse d’y perpétuer l’œuvre de son créateur légendaire et celle de son emblématique successeur, Jérôme Robbins. Mais il l’ouvre aussi à d’autres chorégraphes contemporains. Aujourd’hui le New York City Ballet est la compagnie de danse classique américaine la plus connue au monde. Entièrement financée par des fonds privés, elle est condamnée à l’exception. Ses quatre-vingt seize danseurs, dont les contrats sont renouvelés – ou pas – chaque année, se produisent environ trois mois sur douze à New York. Elle parcourt le monde pendant les autres. Cette troupe illustrissime ne s’était pas produite à Paris depuis 2008. C’est dire si son installation, pour trois semaines au théâtre du Châtelet, était très attendue. THEME Pour les amateurs, il va être difficile de choisir parmi les six programmes différents de l’affiche. Sur les vingt ballets qui les composent, quatorze sont signés de celui que les initiés ont surnommé Mister B ». Quatorze chefs-d’œuvre que le maître cisela sur les musiques qui les ont inspirés. Du plus ancien, Apollo », créé en 1928 pour les ballets russes de Diaghilev et qui fut la première collaboration entre le chorégraphe et Stravinsky, jusqu’à Mozartiana », l’une de ses dernières créations, écrite en 1981 sur la suite n°4 de Tchaïkovski. En passant par d’autres pièces, éblouissantes de grâce et de virtuosité, comme la Valse », imaginée en 1951 sur une partition de Maurice Ravel, ou les Quatre Tempéraments », créée en 1946 sur une composition de Paul Hindemith, dansée en simple justaucorps et qui se veut l’expression de quatre humeurs différentes, dont la mélancolique et la sanguine. A ces œuvres majeures, s’en ajoutent donc six autres, qui ne les dépareillent pas, dont West Side Story », un étourdissant best of de la comédie musicale chorégraphiée pour la scène par Jérôme Robbins en 1958, et que le chorégraphe revisita, en 1961, pour le cinéma. Et puis, pour montrer qu’il n’est pas prisonnier de son prestigieux héritage, le NYCB a programmé des pièces de chorégraphes vivants qui travaillent avec lui, dont la très attendue Everywhere we go », écrite pour vingt-cinq danseurs, par le jeune 28 ans et très en vue Justin Peck, sur une musique du compositeur et chanteur américain, Sufjan Stevens. De quoi mettre le feu aux planches du Châtelet ! POINTS FORTS – D’abord cet hommage, sans précédent en France, rendu à Georges Balanchine, le fondateur du NYCB. Sur les quatorze ouvrages du Maitre programmés ici, certains n’avaient encore jamais été présentés à Paris. Difficile, d’accorder des préférences tous sont des joyaux ! – Le reste du menu » de la programmation, qui accueille parmi les meilleurs jeunes pousses » de l’écriture chorégraphique postclassique, dont l’audacieux Christopher Wheeldon et le très inventif Justin Peck, la nouvelle coqueluche de la Compagnie américaine. – Le niveau exceptionnel de la troupe. Sur près de cent danseurs, un quart environ est principal » en France, on dit étoile », un cinquième, soliste », mais tous semblent animés par le même idéal de perfection. Il faut dire que la plupart d’entre eux se connaissent depuis l’ adolescence, puisqu’ils sont presque tous issus de la School of American Ballet », l’école que Balanchine ouvrit en 1948 et qui reste, aujourd’hui encore, la meilleure école américaine de danse classique. Il faut également dire qu’au NYCB, où règne une discipline de fer, toute défaillance se solde par un renvoi… – Paradoxalement, la diversité de la troupe. Oui, bien sûr, les ensembles sont parfaits, et tout le monde danse dans la même direction». Mais chaque interprète a su et pu conserver son originalité … Cette addition de différences », dans les personnalités comme dans les gabarits, donne à la troupe un supplément d’âme assez unique dans un Ballet classique, où généralement, l’usage veut qu’on privilégie la rectitude des lignes de danseurs une seule taille, une seule tête, une seule paire de jambes pour une perfection visuelle… mais cela souvent au détriment de l’émotion. -La musique. Ici, pas de bande son. Toutes les partitions sont jouées excellemment en live, grâce à l’orchestre Prométhée, une phalange régulièrement invitée par le théâtre du Châtelet. POINTS FAIBLES A moins de détester la danse classique, aucun… EN DEUX MOTS Après huit ans d’absence, le retour en France du New York City Ballet était annoncé comme un événement. Avec sa programmation, qui, outre des joyaux » incontournables, fait la part belle aux découvertes, des œuvres toutes nouvelles et des ballets anciens qui n’avaient encore jamais traversé l’Atlantique ; avec aussi sa troupe, entièrement renouvelée, et qui combine, avec une subtilité inouïe, technique, musicalité, grâce, swing et précision, on peut affirmer qu’effectivement ce retour constitue un événement. Sa paternité en revient au festival Etés de la danse ». Jusqu’au 16 juillet. UNE PHRASE Pourquoi beaucoup de Balanchine ? Parce que c’est tout simplement le plus grand ». Peter Martins, directeur du NYCB Recommendation

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étoile française du new york city ballet